Ivo Kiefer, o.T.
2011, Acryl auf Leinwand, 100 x 80 cm
Hendrik Kretschmer, kontraproduktive emulsion
2011, Acryl auf Leinwand, 210 x 260 cm
Laura Ohlendorf, o.T.
2011, Acryl, Lack, diverse Materialien auf Sperrholz, 140
x 120 cm
Sarah Pabst, Desaparecido
2010, Öl auf Leinwand, 160 x 180 cm
Momo Trommer, Wir werden siegen
2011, Öl auf Sperrholz, 49 x
58 cm
Das Aktstudium gehört zur Künstlerausbildung seit es Kunstakademien gibt. Ungeachtet tagesaktueller Strömungen, denen die zeitgenössische Kunst folgt, halten an jeder Kunsthochschule Aktmodelle ihre Posen, um dem Studium der menschlichen Proportionen zu dienen. Ivo Kiefer gehört zu den seltenen Studenten, die sich dieser Auseinandersetzung in aller Konsequenz stellen. Es gehört einige Standfestigkeit dazu, sich einem Thema zuzuwenden, von dem man meinen könnte, es sei nun wirklich schon in jeder erdenklichen Form dargestellt worden. Obwohl es gerade bei der menschlichen Figur so schwer ist, einen ganz eigenen und spannenden formalen Zugang zu finden, sucht Ivo Kiefer immer wieder eine unverstellte Auseinandersetzung mit diesem Thema. Dabei geht es ihm nicht darum, Geschichten zu erzählen und die Figuren zu kontextualisieren. Vielmehr vermitteln seine Arbeiten bisweilen Gefühle, wie Melancholie und Trägheit. Seine ineinander verschlungenen Akte scheinen trotz oder gerade wegen ihrer Verbundenheit handlungs- und kommunikationsunfähig. Die Körper verschmelzen miteinander und mit dem Hintergrund. Formal wird diese Dimension durch das Auflösen der Körperlichkeit zu Flächen und Linien erzeugt, so dass oft erst auf den zweiten Blick das Sujet erkennbar wird. Vom Aktmodell ausgehend entwickelt Ivo Kiefer in verschiedenen Techniken eine Malweise, die Körper und Landschaften zunächst aus der Farbe heraus entstehen lässt, um sie dann quasi in ihr untergehen zu lassen. Insbesondere die filigranen Linien erlauben es, dem Betrachter einen Blick auf den menschlichen Körper nach zu vollziehen, der unvoreingenommen nach seiner schieren Präsenz sucht.
Die Malerei von Hendrik Kretschmer bewegt sich zwischen
präziser Figuration und Abstraktion. Oberflächen sind
für ihn dabei von größtem Interesse. Eine Kombination
aus unkontrolliertem und kontrolliertem "Schütten"
verschiedenster Materialien führt Lacke, Öle, Farben
und Wasser auf einem Bildgrund zusammen. Der Trocknungsprozess
verrät erst nach mehreren Tagen, was aus entstanden ist.
Ein wichtiger Aspekt bei dieser Vorgehensweise ist das Zulassen
des Zufalls und somit das Akzeptieren der entstehenden Farbflächen
als Grundlage für das weitere Arbeiten.
Im inhaltlichen Fokus der Arbeit steht eine intensive Auseinandersetzung
mit gebautem Raum. Utopische, absurde und verschachtelte Architekturkonstellationen
dienen der Inspiration, inzwischen kommen auch Aufnahmen aus
Google Earth hinzu. Die architektonischen Fundstücke werden
collage-artig zu neuen Konstrukten verschmolzen. Die Collage
erlaubt dabei die Verlassenheit der unbesiedelten Orte deutlich
zu überspitzen. Hendrik Kretschmer teilt damit das uralte
Interesse der Menschen für Ruinen, die Faszination für
etwas, was einst genutzt und nun verfallen nur noch um seiner
Selbst Willen existiert. Die höchst präzise gesetzten
Häuserfronten stehen im Gegensatz zu dem nahezu unkontrollierten
Hintergrund. Besonders dieser scheinbare Widerspruch zwischen
der enorm geplanten, rechtwinkligen und fast grafischen Ausarbeitung
der Häuserfronten und dem Verlassen- und Verfallensein der
verschachtelten Ruinen vor dem nicht eindeutig zu verortenden
Hintergrund wirkt dabei auf den Betrachter gleichzeitig interessant
und beunruhigend.
Sein Interesse an der Natur mit all ihren ungenormten, vielfältigen und vielfarbigen Lebewesen und Dingen beschäftigt Sebastian Lenz sowohl in seinem Biologiestudium als auch in der Kunst. Mit einem forschenden Blick untersucht er besonders die Details seiner Umgebung, zum Beispiel die feinen Unterschiede in Bewegungsabläufen, Licht- und Schattenverteilungen, Materialitäten und Oberflächen. Als Malvorlagen dienen ihm neben Realien selbst erstellte Fotografien, die eher beiläufig, wenn auch thematisch gezielt gemacht werden. Dabei ist es ihm wichtig, die Beobachtungen und Erfahrungen aus erster Hand zu haben und an einem Ort selbst ein Gespür für dessen Gesamtatmosphäre zu bekommen. Seiner Themenwahl im Bereich der Tier-, Landschafts- und Stilllebenmalerei, seien es Kühe, Hunde, Schlüssel, Brillen oder Plunderteilchen liegen ganz offensichtlich weniger verbindende inhaltliche Fragen zugrunde, vielmehr sucht Sebastian Lenz seine Motive nach deren malerischer Qualität aus. Das Motiv ist, was es ist im Idealfall eine malerische Herausforderung. Diese pariert er in einer mal pastosen, mal flüssigen Malweise mit einem einerseits schnellen und lockeren und gleichzeitig kräftigen und markigen Duktus. Je kontrastreicher und farbstärker das Motiv, um so lieber nimmt er es damit auf. Die Bilder werden oft in einem Schwung gemalt, jeder der virtuosen Pinselstriche zeugt dabei von konzentrierter Beobachtung und präzisen Farb- und Formentscheidungen. Auf diese Weise wird auch der Blick des Betrachters zurück auf die kleinen Dinge gelenkt, den Glanz einer glasierten Frucht oder den Schatten einer Hundeleine das mögen zwar Details sein, aber auch in diesen lassen sich, wie Sebastian Lenz vorführt, mit der richtigen Aufmerksamkeit ganz universale Wahrheiten finden.
Im Vergleich zu wissenschaftlichen Sammlungen, sind Sammlungen
von Künstlern gerade durch die völlig subjektive Festlegung
ihrer Auswahlkriterien interessant. Letztlich kann das alles
sein, was den Weg ins Atelier findet und dort als Inspirationsquelle
Anlass zu einer Arbeit wird. Laura Ohlendorf hat im Laufe
ihres Studiums eine Sammlung angelegt, die sowohl in Form von
Vorlagen als auch als Material den Fundus für ihre Arbeiten
darstellt. Ihre Inspirationsquellen stammen aus Haushaltsauflösungen,
vom Flohmarkt oder vom Sperrmüll. Manche Materialien ersteigert
sie bei Ebay, wo sie auf gemischte Fotokisten bietet und ein
Sammelsurium von Privataufnahmen fremder Leute erhält, in
deren Leben sie plötzlich eintaucht. Die typischen Familienfotos,
wie sie jeder kennt und aus früheren Generationen geerbt
hat, erscheinen ihr besonders interessant. Sie bewahrt diese
Fragmente im Moment ihres Verschwindens als Vorlagen für
ihre Bilder.
Über den inhaltlichen Vergangenheitsbezug hinaus liegen
ihren Arbeiten auch ganz physisch ausrangierte Materialien zugrunde,
denen Laura Ohlendorf neuen Wert verleiht, indem sie diese durch
ihre Verarbeitung zur Collage vor dem Vergessen rettet. Ihre
Bildträger wie Linoleum Böden oder alte Tischdecken
erzählen für sich genommen schon Bruchstücke vergangener
Geschichten. Sie schafft damit ein interessantes Verhältnis
zwischen dem gebrauchten Material und den gebrauchten Bildern,
denn obgleich sie die Dinge vor dem Vergessen bewahrt, bleibt
deren ursprüngliche Wertlosigkeit noch sichtbar. Auf dem
gebrauchten Linoleumboden erscheint das Leben, das auf ihm stattgefunden
haben könnte, wie die Projektion einer inzwischen ganz immateriell
gewordenen Familienerzählung.
In dieser Ausstellung, in der es ja vor allem um Malerei geht
kann nur ein Ausschnitt des künstlerischen Schaffens von
Sarah Pabst gezeigt werden. Die von ihr gemalten Bilder
verweisen auf ihre zweite große Begabung die Fotografie.
Auf ihren Reisen hat sie sich an Orte gewagt, an die sich sonst
nur gestandene Pressefotografen trauen. Anschließend kam
sie zurück nach Deutschland mit Fotos von schwer bewaffneten
Jungkriminellen aus südamerikanischen Ghettos, von ebenso
schwer bewaffneten, ebenso jungen israelischen Militärs,
mit eindringlichen Bildern aus dem mühseligen Leben bolivianischer
Frauen und vielen weiteren tief berührenden Aufnahmen. Unerschrocken
sucht sie die Schauplätze menschlicher Tragödien auf
und übersieht dennoch nicht die Ambivalenz dieser Szenarien
zwischen Hoffnung und Vergänglichkeit.
Manche dieser Eindrücke setzt sie in Malereien um, in denen,
im Gegensatz zu ihren Fotografien jedoch jede menschliche Figur
fehlt. Hier wird der Mensch nur durch den ihn umgebenden Raum
wahrnehmbar. In ihrer Malerei geht es Sarah Pabst um die verbliebenen
Spuren in verlassenen oder verfallenen Räumen, die doch
stets, etwa durch einfallendes Licht, eine Verbindung zu einer
im Verborgenen bleibenden Außenwelt haben. Ihre Arbeiten
eröffnen dem Betrachter einen Blick in die Stille und Geschlossenheit
privater Räume, die dazu einladen, in der Phantasie mit
denjenigen bevölkert zu werden, die sie so hinterlassen
haben könnten. Die scheinbare Anonymität und das Geheimnis
dieser Orte lädt dazu ein, sich vorzustellen, was hier stattgefunden
hat oder noch stattfinden könnte und so entwickeln die Schattenplätze
und Lichtöffnungen ein Eigenleben, das sich einer finalen
Deutung stets entzieht, um gleichzeitig die Neugier des Betrachters
wach zu halten.
Darstellungen in denen Menschen Hundeschnauzen in den Mund
nehmen und Tiere stillen, also annähernd sodomistische Handlungen
am Tier begehen, gehören heute zu den wenigen Bildbereichen,
die noch weitgehend tabuisiert sind. Während den zeitgenössischen
Betrachter beim Blick auf andere einstige Tabubrüche schon
eine gelangweilte Gewöhnung ergreift, zuckt er angesichts
solcher Bilder noch zusammen, selbst wenn die Geste an sich durchaus
liebevoll gemeint erscheint.
Die Szenarien in der Malerei von Momo Trommer rufen ebensolche
ambivalenten Reaktionen hervor und sollen auch genau dies tun.
Sie sucht in ihren Bildentwürfen seltsame und ungeklärte
Situationen zwischen dem Menschen und seinem sprachlosen Gegenüber,
dem Tier, womit sie immer auch auf ein latentes Machtgefüge
verweist. Durch ein subtiles Ausbalancieren dieser Machtverhältnisse
versucht sie, eine möglichst perfekte Ambivalenz zu erzielen.
Die Bildgegenstände und ihre Bearbeitung heben sich gegenseitig
auf, so dass die Arbeiten formal wie inhaltlich zwischen einer
kitschigen Zuckerwattewelt und einer unterschwelligen Bedrohung
changieren. Rosa, Pink und Lilatöne werden aggressiv mit
dem Spachtel ab- und zerkratzt, feinfühlige naturalistische
Malerei steht drastischer Farbwahl entgegen und die weichen Formen
niedlicher Tierchen kontrastieren mit massiven kantigen Architekturen.
Auch die Größenverhältnisse und die Anzahl der
Figuren sorgen für eine unentschiedene Kräfteverteilung.
Es entstehen teils irritierende Bilder, auf die der Betrachter
sowohl mit Verständnis und Wiedererkennen, als auch mit
Unverständnis und Ekel reagiert. Die Identifikation gelingt
indes so gut, da Momo Trommer Figuren erschafft, die zwar zu
detailliert sind, um abstrakt zu sein, aber dennoch allgemein
genug erscheinen, um bedeutungsoffen zu bleiben.
Sebastian Lenz
1982 geboren in Bonn
2002 bis 2005 Schreinerlehre in Brühl
Abschluss als Innungsbester
Erster Platz auf Kreisebene und Belobigung auf Landesebene im
Gestaltungswettbewerb "Die gute Form"
2005 bis 2007 Anstellung als Schreinergeselle
seit 2007 Studium Kunst und Biologie an der BUW
Hendrik Kretschmer
1986 geboren in Werl
2002 bis 2005 Ausbildung zum GTA
2006 bis 2007 freiwilliges soziales Jahr in Malaysia
seit 2007 Studium Kunst und Gestaltungstechnik/Mediendesign an
der BUW
Momo Trommer
1983 geboren in Marburg
2005-2007 Ausbildung zur GTA
seit 2007 Studium Kunst und Gestaltungstechnik/Mediendesign an
der BUW
2011 Stella Baum Preis der BUW
Laura Ohlendorf
1985 geboren in Datteln
2001
bis 2004 Ausbildung zur GTA
2005 Europäische Sommerakademie, Trier
seit 2005 Studium Kunst und Mathematik an der BUW
2009 LOKart, Erkrath, Erhalt des Jurypreises
2010 LOKart, Erkrath, Erhalt des Publikumsprei-ses
2011
Gruppenausstellung in der Schwarzbachgalerie, Wuppertal
Sarah Pabst
1984 geboren in Engelskirchen
2003 bis 2011 Studium Kunst und Spanisch an der Universität
zu Köln und der BUW
zahlreiche Auslandsaufenthalte mit Schwerpunkt Lateinamerika
2009 bis 2010 Stipendiatin in Bolivien zur Anfertigung der künstlerisch-praktischen
Examensarbeit
drei Mal nominiert für den Canon Profifoto För-derpreis
Ivo Kiefer
geboren 1986 in Wuppertal
seit 2008 Studium Kunst und Mediendesign an der BUW
2011 Gruppenausstellung in der Schwarzbach-galerie, Wuppertal
