Haus der Kunst
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täglich 10 bis 20 Uhr
vorausgegangene Ausstellung / previous
exhibition
Ausstellungen 2014
18.10. 2013 - 21.09. 2014
Manfred Pernice
Tutti IV
Vorbesichtigung für Presse am Donnerstag, den 17. Oktober 2013, 11
Uhr
Recycling, die Wiederverwertung bereits benutzter Gegenstände und
Materialien, ist eine der methodischen Grundlagen des in Berlin lebenden
Künstlers Manfred Pernice (geboren 1963 in Hildesheim). Dabei geht
es ihm nicht nur um die Verwendung vorgefundener Stoffe und Gegenstände
unterschiedlicher Herkunft. Bemerkenswerter ist, dass er ältere Werke
als Versatzstücke für neu konzipierte Arbeiten benutzt oder in
veränderten Bedeutungszusammenhängen neu inszeniert.
Der von Pernice geplante Eingriff für die Mittelhalle des Haus der
Kunst nimmt unmittelbar Bezug auf Elemente der Architektur. Er baut sich
im Wesentlichen aus zwei Elementen auf. Zum einen platziert Pernice die
aus 2010 stammende architektonische Skulptur "Tutti" im Zentrum
des Raumes. Sie besteht aus einem offenen runden Raum, der in vier unregelmäßige
Segmente geteilt ist, die unterschiedlich eingerichtet sind. In ihrer Mitte
führt eine Wendeltreppe auf das Dach der Skulptur. Zum anderen richtet
Pernice von dort aus eine zweite Treppe ein. Sie führt auf eine Brücke,
die den Bereich zwischen den Pfeilern in einer Höhe von ca. 6 m überspannt,
vom Buchladen auf der linken bis zum Eingang zum Ostflügel auf der
rechten Seite. Für diese Überführung wird der Künstler
eine Bespielung entwickeln, die sich als Ergebnis des Arbeitsprozesses
vor Ort ergeben wird und daher heute noch nicht näher beschrieben
werden kann. Auch diese Form einer spontanen Reaktion auf die räumlichen
Gegebenheiten ist charakteristisch für Pernices skulpturalen Ansatz.
Manfred Pernices "Tutti IV" betitelte Installation ist die zweite
in der Serie DER ÖFFENTLICHKEIT - VON DEN FREUNDEN HAUS DER KUNST,
die Reihe jährlicher künstlerischer Auftragsarbeiten für
die Mittelhalle, die 2012 mit Haegue Yangs Werk Accommodating the Epic
Dispersion - On Non-cathartic Volume of Dispersion begonnen hatte.
Künstlergespräch
Manfred Pernice im Gespräch mit Ulrich Wilmes am Donnerstag, den 7.
November 2013, 19 Uhr
"Der Öffentlichkeit - Von den Freunden Haus der Kunst"
ist eine Serie von Auftragsarbeiten, die speziell für die Mittelhalle
im Haus der Kunst entwickelt werden, mit großzügiger Unterstützung
von und in Zusammenarbeit mit der Gesellschaft der Freunde Haus der Kunst.
Wir freuen uns, dass wir für das Jahr 2013/14 den in Berlin lebenden
Künstler Manfred Pernice gewinnen konnten.
In den nächsten Wochen und Monaten wird Pernice eine ortsspezifische,
begehbare Installation aus verschiedenen, zum Teil "recycelten"
Einzelarbeiten entwickeln. Bezeichnend für den Schaffensprozess des
Künstlers ist neben der Verwendung von vorgefundenen Stoffen und Gegenständen,
dass er auch eigene, frühere Werke für neu konzipierte Arbeiten
nutzt oder in veränderten Bedeutungszusammenhängen neu inszeniert.
Die geplante Intervention bezieht sich unmittelbar auf die Architektur
der Mittelhalle und besteht im Wesentlichen aus zwei Elementen: Leicht
aus der Mitte des Raumes versetzt, platziert Pernice die architektonische
Skulptur "Tutti" aus dem Jahr 2010. Eine Wendeltreppe führt
auf das Dach der Skulptur. Von dort aus erreicht der Besucher über
eine zweite Treppe eine Brücke, welche die Mittelhalle überspannt
und dem Betrachter aus sechs Metern Höhe immer neue Perspektiven auf
den Raum bietet. Für die Brücke entwickelt der Künstler
eine Bespielung, die sich als Ergebnis des Arbeitsprozesses vor Ort ergeben
wird. Auch diese Form der spontanen Reaktion auf die Gegebenheiten ist
charakteristisch für Pernices skulpturalen Ansatz.
"Tutti IV" ist ein "work in progress" und bewegt
sich in der vieldeutigen Zone zwischen Beständigkeit und Unbeständigkeit:
Die Installation wird auch Werke anderer Künstler beherbergen und
sich im Lauf ihrer fast einjährigen Präsentation durch Eingriffe
des Künstlers verändern.
Die Installation ist ab dem 18.10.13 in der Mittelhalle im Haus der
Kunst zu sehen. Der Eintritt ist frei.
"Der Öffentlichkeit - Von den Freunden Haus der Kunst"
ist eine auf mehrere Jahre angelegte Serie von künstlerischen Auftragsarbeiten.
Okwui Enwezor: "Mit unserem Engagement für die Kunst der Gegenwart
an diesem speziellen Ort erfährt die zentrale Mittelhalle eine Umdeutung:
Sie wird zu einem offenen und öffentlichen Platz, zu einem Ort des
Zusammenkommens, der Fantasie und Vorstellungskraft."
www.freunde-hausderkunst.de
25.01, - 25.05. 2014
Abraham Cruzvillegas
The Autoconstrucción Suites
"In den ersten zwanzig Jahren meines Lebens beobachtete ich, wie
das Haus, in dem meine Familie wohnte, langsam gebaut wurde; wir waren
alle an dem Vorgang beteiligt", sagt Abraham Cruzvillages (geboren
1968). Im Laufe der letzten zehn Jahre hat er ein beeindruckendes uvre
geschaffen, das sein Interesse an Form und Materie der Gegend von Ajusco
spiegelt, einer Vulkanlandschaft südlich von Mexiko-Stadt. Die Wurzeln
seiner Kunst, die er "autoconstrucción" (Selbstkonstruktion)
nennt, liegen in den improvisierten Bauverfahren und -techniken seiner
Heimatstadt. Seine dynamische skulpturale Sprache verbindet Naturmaterialien
und gefundene Gegenstände und verwischt die Grenzen zwischen Kunst
und Handwerk, zwischen Industrie- und Handfertigung. Für Cruzvillegas
ist die skulpturale Form ein Prozess des Wandels, der Aktion, der Solidarität
und der Transformation.
Die Ausstellung, kuratiert von Clara Kim, hatte ihre Premiere am Walker
Art Center in Minneapolis (23. März - 22. September 2013) und reist
weiter zur Jumex Foundation in Mexico City und Museo Amparo, Puebla.
Archiv-Galerie
Eröffnung am 8.03. 2014
Das Haus der Kunst freut sich mitzuteilen, dass es seine Archivbestände
zu Architektur und Geschichte des Hauses dauerhaft und kostenfrei der Öffentlichkeit
zugänglich machen wird.
Mit der Einrichtung einer dauerhaft angelegten Archiv Galerie führt
das Haus der Kunst wiederum ein neues Format für die Präsentation
seiner historischen Materialien und ihre Vermittlung an ein breiteres Publikum
ein. Zu seinem 75-jährigen Bestehen hatte es 2012 die Ausstellung
"Geschichten im Konflikt: Das Haus der Kunst und der ideologische
Gebrauch von Kunst 1937-1955" gezeigt. Nun führt es mit der Archiv
Galerie die allgemein statische Konnotation des Begriffs Archiv sukzessive
einer offenen und dynamischen Form zu. Für die Zukunft sind Interventionen
von eingeladenen Künstlern, Historikern, Kuratoren und Wissenschaftlern
und wechselnde Präsentationen der Bestände geplant. Eine erste
Intervention hatte 2012 der Schweizer Konzeptkünstler Christian Philipp
Müller für die Ausstellung "Geschichten im Konflikt"
entwickelt.
Als sichtbares Gedächtnis der wechselhaften Geschichte des Museums
ist für die Archiv Galerie dauerhaft ein Ausstellungsraum eingerichtet,
der an der öffentlich zugänglichen Mittelhalle liegt. Für
diesen Raum hat der Künstler und Kulturwissenschaftler Martin Schmidl
ein Ensemble aus Einrichtungsgegenständen und Museumsdisplay geschaffen.
Basis für diese Ausstellungs- und Informationsplattform ist das seit
2004 von Sabine Brantl geleitete Historische Archiv des Haus der Kunst.
Aus dessen Bestand hat die Historikerin Dokumente ausgewählt, die
von der Entstehung und Nutzungsgeschichte des Gebäudes erzählen
sowie vom Umgang mit der Architektur in der Nachkriegszeit. Der Schwerpunkt
dieser Auswahl leitet damit thematisch zu der bald anstehenden Sanierung
des Gebäudes hin, die mit dem Nachdenken über dessen Geschichte
einhergeht. Gezeigt werden
- eine Aufstellung der Firmenspenden für den Bau des 1937
eröffneten "Hauses der Deutschen Kunst"
- eine historische Tafel der Stifter, die mit Spenden von jeweils
100.000 Reichsmark die Grundlage für die Finanzierung gelegt
haben; sie hing bis 1945 im Foyer des Gebäudes
- ein handkolorierter Grundriss von 1938
- eine nicht datierte Vergleichszeichnung der Raumhöhe von Museen
in Deutschland, England, Niederlande und Österreich vom Atelier Paul
Ludwig Troost
- Studien für Deckenleuchten, Mobiliar und Beschilderung
- Geschäftsbücher zu den "Großen Deutschen Kunstausstellungen":
ein Verzeichnis der eingelieferten Werke von 1941 und das
"Depotbuch für Bilder", das Ankäufe von Gemälden
und Grafik
durch Adolf Hitler auflistet; geführt von 1941-1944, enthält
es
jedoch bereits Ankäufe aus dem Jahr 1938
- das Buch "Hauspasse" aus dem Jahr 1950
- Entwurfszeichnungen für den Wettbewerb aus dem Jahre 1956, der
die Neugestaltung von Foyer und Mittelhalle zum Ziel hatte
Das bisher nie gezeigte Buch "Hauspasse" ist der einzig erhaltene
Beleg der Zugangsberechtigungen für Mitarbeiter. Es stammt aus der
Zeit der amerikanischen Militärregierung, die von 1945 bis 1955 in
einem Teil des Gebäudes einen Officer's Club eingerichtet hat, und
gibt Auskunft über die zeitlich parallelen und dabei sehr unterschiedlichen
Nutzungen des Hauses. Neben den Bereichen Direktion, Division of Budget
& Finance, Ausstellungsleitung, Department of Justice gab es auch Redaktionsbüros
der Zeitschriften "Stars & Stripes" und "Heute",
Aufenthaltsräume für die "Bands of Officer's Club"
und einen Frisier-Salon. Auffallend ist, dass das Buch ebenso akribisch
geführt wurde, wie in den Jahren von 1937 bis 1944 die Listen über
die eingelieferten, ausgestellten und verkauften Werke.
Nach dem Auszug der amerikanischen Militärregierung 1955 schrieb das
Bayerische Kultusministerium im Januar 1956 einen Architekturwettbewerb
aus. Ziel war die Umgestaltung von Foyer und Mittelhalle zu Mehrzweckflächen.
Proportionen und Beschaffenheit der Räume sollten verkleidet und -
unausgesprochen - die Erinnerung an die Propagandazwecke der Nationalsozialisten
zum Verschwinden gebracht werden. Umgesetzt wurde der Vorschlag des Münchner
Architekten Josef Wiedemann: die rote Marmorverkleidung wurde weiß
übertüncht, eingezogene Wände und Decken ließen die
Dimensionen weniger monumental erscheinen. Eben diese Einbauten wurden
ab 2004 im Rahmen des sog. Kritischen Rückbaus entfernt. Der Kritische
Rückbau wird seine Fortsetzung in dem komplexen Sanierungsprozess
finden, mit dessen Planung im Herbst 2013 das international renommierte
Architekturbüro David Chipperfield Architects beauftragt wurde und
dessen Durchführung die Lesbarkeit des historisch belasteten Gebäudes
wieder vollständig herstellen wird.
Durch den Amtseintritt von Okwui Enwezor als Direktor des Haus der Kunst
im Jahr 2011 bekam der Umgang mit der Architektur und Geschichte des Hauses
einen neuen Impuls. Auf ihn geht die Initiative zurück, neue Formate
für die Präsentation historischer Materialien und ihre Vermittlung
zu suchen und das interaktive Angebot hierfür fortlaufend zu erweitern.
Die Lage der Archiv Galerie an der Mittelhalle und ihre Nähe zu
der jährlich, im Rahmen von DER ÖFFENTLICHKEIT - VON DEN FREUNDEN
HAUS DER KUNST vergebenen Auftragsarbeit an eine internationale Künstlerpersönlichkeit
unterstreicht den Ansatz, den Besucher zuerst über die zeitgenössische
Kunst mit dem Gebäude in Berührung zu bringen. In diesem Kontext
sind auch die sich am und im Gebäude befindenden künstlerischen
Auseinandersetzungen zu sehen, zu denen u.a. Lawrence Weiner (2007/14),
Ai Weiwei (2009/10) und Mel Bochner (seit 2013) eingeladen wurden.
17.03. - 17.08. 2014
Matthew Barney
River of Fundament
Mit der großen Ausstellung "Matthew Barney: River of Fundament",
präsentiert das Haus der Kunst die Weltpremiere des gesamten vielteiligen
"River of Fundament"-Projekts von Matthew Barney. Dieses Projekt
besteht aus dem symphonischen Film "RIVER OF FUNDAMENT" von epischer
Länge (5 h), großformatigen Skulpturen, Zeichnungen, Fotografien,
Storyboards und Vitrinen, und verdichtet sich damit zu einem der komplexesten
und ehrgeizigsten in Barneys Werk.
Seit 2007 entwickelt Matthew Barney in Zusammenarbeit mit dem in Berlin
lebenden amerikanischen Komponisten Jonathan Bepler das "River of
Fundament"-Projekt, das von dem amerikanischen Schriftsteller Norman
Mailer und seinem Roman "Ancient Evenings" (Frühe Nächte)
inspiriert ist. Der Roman spielt in Ägypten im Zeitraum 1290-110 v.Chr.;
wegen einer Neigung zum Exzessiven wurde er, als er 1983 erschien, überwiegend
kritisiert. Die Europapremiere des Films "River of Fundament"
findet am 16. März 2014 in der Bayerischen Staatsoper in München
statt. Die Ausstellung im Haus der Kunst und die Filmvorführung bilden
zusammen das mehrteilige "River of Fundament"-Projekt - seit
der CREMASTER-Retrospektive vor über zehn Jahren ein neues Barney-Gesamtkunstwerk.
In "RIVER OF FUNDAMENT" kulminieren sieben Jahre intensiver Meditation
über Tod, Wiedergeburt, Transformation und Transzendenz. Mailers Roman
schildert den spirituellen Weg des Ägypters Menenhetet I durch drei
Tode und Wiedergeburten; Barney ersetzt Reinkarnation durch Recycling und
die Seele des Menschen durch ein Auto. "REN", der erste Akt des
Projekts, dokumentiert eine Live-Performance in einem Autohaus in Los Angeles
2008: Dort stirbt das Auto - der 1967 Chrysler Crown Imperial aus CREMASTER
3 - zum ersten Mal. "Brennende Granatsplitter und Steinsalz fliegen
durch den Raum und prallen von den Fenstern ab. Blech wird vom Chassis
abgerissen", lautete die Regieanweisung. Der zweite Akt, "KHU",
spielt in der 'Motor City' Detroit. Dort reinkarniert der Chrysler als
ein 1979 Pontiac Firebird Trans Am. In "BA" schließlich
wandert die Seele des Autos nach New York. Dort gerinnt der Mythos zur
Skulptur.
In "River of Fundament" arbeiten Experten aus verschiedenen industriellen
Fertigungsbereichen - unter anderem Eisenverhüttung, Verschrottung
und Schwefelguss - mit Schauspielern zusammen, und Charaktere aus CREMASTER
3 treten auf, einem weiteren Gemeinschaftsprojekt von Barney und Bepler,
bei dem der Eingetragene Lehrling von Barney selbst und die Eingetragene
Novizin von Aimee Mullins dargestellt wurde, als Doppelrolle des "Ka
of Norman". Das Libretto enthält Exzerpte aus dem Prolog zu Mailers
Roman und dem ägyptischen Totenbuch, und vereint eine Vielzahl von
Gedanken zu den zeitlosen Fragen nach Sterblichkeit und Wiedergeburt.
Im Zentrum der Ausstellung im Haus der Kunst steht DJED, eine massive gusseiserne
Skulptur, die während einer Liveperformance, "KHU", entstanden
ist. Die Urform und Ikonografie von DJED ist das Fahrwerk des Chrysler
Imperial. 25 Tonnen flüssiges Eisen wurden vor Publikum aus fünf
eigens hergestellten Schmelzöfen in eine offene Grube gegossen, die
auf dem Gelände eines stillgelegten Stahlwerks am Detroit River ausgehoben
worden war. Die großformatige Skulptur DJED hat formale Ähnlichkeit
mit dem Djed-Pfeiler, dem ägyptischen Schriftzeichen für Ewigkeit,
Fortdauer. Ursprünglich war der Djed-Pfeiler wohl ein Schilf- oder
Garbenbündel als Fruchtbarkeitssymbol. Die Zeremonie der Errichtung
des Djed-Pfeilers, bei welcher der Pharao selbst den Pfeiler mittels Stricken
aufrichtete, wurde später in den Kult des Toten- und Fruchtbarkeitsgottes
Osiris aufgenommen und so stark mit ihm verbunden, dass er als Wirbelsäule
des Osiris gedeutet wurde. Darauf spielt auch Spruch 155 des Totenbuches
an: "Spruch für ein goldenes Djed-Amulett, das an den Hals dieses
Verstorbenen gelegt wird. Richte dich auf, Osiris. Dein Rücken gehört
dir, du Herzensmatter, Deine Wirbel gehören dir, du Herzensmatter.
Wende dich auf deine Seite, damit ich dir Wasser gebe. Schau doch, ich
habe dir das goldene Djed-Amulett gebracht, damit du darüber jubelst."
Barney setzt mit der Ausstellung das Programm fort, das er im Laufe der
letzten sieben Jahre entwickelt hat: ein komplexes System von Erzählstoffen,
das persönliche, historische und moderne Mythologien verwebt. Im Zentrum
steht die Frage nach der Existenz einer kohärenten Identität
bzw. eines spirituellen Kerns, der die individuellen Merkmale eines Menschen
nicht nur in diesem Leben, sondern auch nach dem physischen Tod bewahrt.
Mit den Skulpturen dieses Projekts hat sich Barney von den typischen Materialien
seiner früheren Arbeiten - Thermoplastik und Vaseline - entfernt und
benutzt nun Metalle und Materialien, die zum einen näher an der Tradition
der Skulptur und zum anderen industriell geprägt sind: Eisen, Bronze,
Blei, Kupfer, Messing, Zink und Silber. Weiterhin verwendet er natürliche
Substanzen wie Schwefel und Salz. Zu den 15 ausgestellten neuen Skulpturen
zählen "Canopic Chest" - der Titel bezieht sich auf die
sogenannten Kanopen, die Gefäße, in denen im alten Ägypten
die Eingeweide Verstorbener bestattet wurden - sowie "Sacrificial
Anode": Hier wird auf ein spezifisches Opfermetall angespielt, das
für andere Metallobjekte als Rostschutz dient. Die Formen basieren
auf dem "Was", einem ägyptischen Herrscherstab und Machtsymbol.
In alter Zeit war es aus einem getrockneten Stierphallus hergestellt worden,
später dann aus Edelmetallen.
Die Ausstellung umfasst weiterhin eine Reihe neuer Zeichnungen, Fotografien,
Storyboards und Vitrinen, die Charakter und thematische Entwicklung des
Projekts im Detail dokumentieren. Die Zeichnungen zeigen u.a. Barneys Bearbeitung
von Mailers Roman "Frühe Nächte". Dabei liegt das jeweilige
Exponat - z.B. das aufgeschlagene Buch, in das Barney gezeichnet hat -
in einer vom Künstler selbst entworfenen Vitrine auf einem Salzblock.
Damit spielt Barney auf Detroit an: In den Salzminen, die sich unterhalb
des Detroit River erstrecken, befindet sich ein ausgedehntes und komplexes
Verkehrsnetz, das mit den Tunneln und Geheimkammern unter den Großen
Pyramiden verglichen worden ist. In seinen Zeichnungen hat Barney erneut
mit ausgefallenen, symbolträchtigen Materialien wie Gold, Silber,
Lapislazuli und Schwefel experimentiert. Die Bedeutung erschließt
sich nicht nur über das Dargestellte und seine vielschichtigen Narrative,
sondern auch über die stilistisch raffinierte Verwendung des Mediums.
Eine neue großformatige Fotografie zeigt einen toten Ibis, der zwischen
Wüsten-Beifuß und anderen Pflanzen der amerikanischen Hochwüste
liegt. Der Ibis wurde mit einer Schrotflinte erlegt und hat mehrere Einschusslöcher.
In seinem Schnabel steckt eine kleine Goldkugel. Diese Goldkugel war in
einer Szene von "River of Fundament" vorgekommen, in der Matthew
Barney in der Rolle des "Ka of Norman" das Kostüm von James
Lee Byars trägt und "The Death of James Lee Byars" nachspielt.
Matthew Barney wurde 1967 in San Francisco geboren und lebt und arbeitet
in New York. Er hat an großen Ausstellungen wie der documenta IX
(1992) in Kassel, den Whitney Biennalen von 1993 und 1995 in New York sowie
den Biennalen von Venedig 1993 und 2003 teilgenommen. Die vom Solomon R.
Guggenheim-Museum in New York ausgerichtete Einzelausstellung "The
Cremaster Cycle" wurde auch im Museum Ludwig in Köln und im Musée
d'Art Moderne de la Ville de Paris gezeigt (2002-03). Die Ausstellung "Drawing
Restraint", organisiert vom 21st Century Museum for Contemporary Art,
Kanazawa, Japan, reiste weiter zum Leeum Samsung Museum of Art, Seoul,
zum San Francisco Museum of Modern Art, zur Serpentine Gallery in London
und zur Kunsthalle Wien. Im Schaulager/Laurenz Foundation in Basel, Schweiz,
war 2010 "Matthew Barney: Prayer Sheet with the Wound and the Nail"
zu sehen. Eine Auswahl seiner Zeichnungen wurde 2013 in der New York's
Morgan Library and Museum sowie der Bibliothèque national de France
präsentiert ("Subliming Vessel: The Drawings of Matthew Barney").
Der Katalog erscheint bei Rizzoli und enthält Beiträge von Hilton
Als, Homi K. Bhabha, Diedrich Diederichsen, Okwui Enwezor, David Walsh
sowie Installationsansichten aus dem Haus der Kunst, ISBN 978-0-8478-4258-2.
"River of Fundament" wird von Okwui Enwezor kuratiert und vom
Haus der Kunst organisiert, in Zusammenarbeit mit dem Museum of Old and
New Art (MONA), Tasmanien, Australien. Dort wird die Ausstellung in veränderter
Form im Herbst 2014 zu sehen sein.
Die Europapremiere des Films wird in Zusammenarbeit mit der Bayerischen
Staatsoper in München präsentiert. "RIVER OF FUNDAMENT"
ist produziert von Matthew Barney und Laurenz Foundation.
Wir danken unseren Gesellschaftern für die jährliche Unterstützung
des Programms: Freistaat Bayern, Josef Schörghuber Stiftung, Gesellschaft
der Freunde Haus der Kunst e.V.
Zusätzliche Unterstützung wurde bereitgestellt von Laurenz Foundation,
Gladstone Gallery, New York; Regen Project, Los Angeles, sowie Sadie Coles
HQ, London.
Samstag, 15. März 2014, 18 Uhr
Künstlergespräch: Matthew Barney im Gespräch mit Okwui Enwezor
anschließend Eröffnung der Ausstellung
Sonntag, 16. März 2014, 20 Uhr
Europapremiere des Films "RIVER OF FUNDAMENT" in der Bayerischen
Staatsoper
28.02. - 13.07. 2014
Ellen Gallagher
In einer Bildsprache, die Elemente aus Mythen, Natur, Kunst und Sozialgeschichte
vereint, schafft Ellen Gallagher (geb. 1965 in Providence, Rhode Island)
komplexe Arbeiten in einer Vielzahl verschiedener Medien: Malerei, Zeichnung,
Relief, Collage, Druck, Plastik, Film und Animationsfilm.
Sie wurde international bekannt, indem sie eine minimalistische Ästhetik,
die auf hoch komplexen Wiederholungen beruht, mit der Ikonografie von teilweise
karikiert überzeichneten Lippen und Augen schwarzer Vaudevillekünstler
aus Minstrel-Shows verband.
Auch mit ihren Apdationen, einer eklektizistischen Auswahl von Bildern
aus Literatur, Musik, Science Fiction, Werbung und Naturgeschichte, erforscht
sie das Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit.
In akribischen Arbeitsschritten werden diese Bilder immer weiter verunklart
und überlagert, bis durch einen Schleier von Tintenschlieren, Löchern,
Flecken und Abrieb nur noch Spuren davon sichtbar sind und eine seltsame
und beunruhigende Fantasiewelt entsteht.
Die Überblicksausstellung geht der Entwicklung und Wiederkehr von
Themen nach, von ihren bahnbrechenden frühen Leinwandarbeiten über
die "Wigmap"-Gittercollagen bis zu jüngsten Filminstallationen
und weiteren neuen Arbeiten. Sie hat ihre Premiere an der Tate Modern,
London (1. Mai - 1. September 2013).
21.06. - 1210. 2014
Stan Douglas
Nach seiner mehrfachen Teilnahme an der Biennale in Venedig und an der
Documenta in Kassel ist Stan Douglas (* 1960) in der internationalen Kunstszene
längst eine feste Größe. Man verbindet mit ihm filmische
und installative Arbeiten, bei deren Montage der Zufall mitwirkt und verlorene
Utopien des 20. Jahrhunderts thematisiert werden. In den letzten Jahren
nahm die Fotografie im Schaffen des Kanadiers selbständigen Raum ein.
Die Ausstellung zeigt eine Auswahl seiner überwiegend großformatigen
neuesten Arbeiten auf diesem Gebiet. Anders als in seiner frühen dokumentarischen
Fotografie geht es Douglas heute um historische Themen wie Emanzipationsbewegungen
am Beispiel Vancouvers in "Crowds and Riots" (2008) oder kulturelle
Phänomene am Beispiel der Diskomusik in "Disco Angola" (2012).
Für "Midcentury Studio" (2010-11) schlüpfte der Künstler
selbst in die Rolle eines fiktiven Reportagefotografen, um seine Heimatstadt
Vancouver in den Jahren nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges zu porträtieren.
Douglas wählt Darsteller, Kostüme und Beiwerk sorgfältig
aus und greift auf Produktionsmittel der Filmindustrie zurück. Neuland
betritt er mit der Theaterproduktion "Helen Lawrence": Das Spiel
der Schauspieler auf der Münchner Bühne wird gefilmt und augenblicklich
in eine computergenierte Umgebung eingefügt. "Helen Lawrence"
wird zeitgleich zur Ausstellung als Gastspiel in den Münchner Kammerspielen
zu sehen sein. Kurator ist León Krempel.
27.06. 2014 - Anfang Januar 2015
Slapstick. Sammlung Goetz im Haus der Kunst
Slapstick ist per Definition eine spezielle Form der Filmkomödie.
Bezeichnend dafür ist eine körperbezogene Situationskomik, die
meist ohne Worte auskommt. Sie verleitet den Zuschauer, über Dinge
zu lachen, die aus einem anderen Blickwinkel oft das Gegenteil von lustig
sind. Der Slapstick schafft eine moralfreie Situation, in der der Zuschauer
aus einem Instinkt heraus handelt. Arbeiten wie "King" von Olaf
Breuning oder auch "Hungry Hungry Hippoes" von Nathalie Djurberg
zeigen deutlich, dass viele Begegnungen nur einigen Beteiligten lustig
erscheinen. Diese Art des Humors, die auch im Alltag vorkommt, lebt zum
großen Teil von Grausamkeit und Unterdrückung, die in diesen
Arbeiten zum Vorschein kommt. Die Ausstellung "Slapstick" präsentiert
Arbeiten von Francis Alys, Rodney Graham, Robin Rhode, Jochen Kuhn, Mike
Kelley und anderen. Die Werkauswahl wird von Ingvild Goetz getroffen.
19.09. - 01.02. 2015
Georg Baselitz
Die Wiederaufnahme und kritische Reflexion des eigenen Werks ist seit
jeher ein prägendes Merkmal der Arbeit von Georg Baselitz. Im vergangenen
Jahrzehnt nimmt die Neu-Interpretation programmatischer Werke vor einem
veränderten Zeithintergrund einen breiten Raum ein. So griff er in
einem spannungsvollen Prozess Gemälde wie "Die großen Freunde"
oder "Die große Nacht im Eimer" in der Remix-Serie wieder
auf. Darin eignet er sich das Motiv in einem völlig veränderten
formalen Zugriff an, der die signifikanten Merkmale der ursprünglichen
Fassungen geradezu konterkariert. Der einstigen Wirkung eines kraftvollen
Duktus der gesättigten opaken Farbmaterie steht die luzide Transparenz
eines Farbdrippings gegenüber, der die Motive sozusagen verflüssigt
und zeichnerisch auflöst. Diese Leichtigkeit der Herangehensweise
wirkt wie eine Befreiung der Darstellung von Inhalt und Bedeutung, die
das eigene Denken und Schaffen in eine zeitgenössische Tonart transponiert.
In diesem Sinne erscheinen die sogenannten "Schwarzen Bilder",
die seit Ende 2012 entstanden sind, als eine folgerichtige Konsequenz,
in der das Pendel der analytischen Durchdringung des eigenen Tuns in entgegengesetzte,
abseitige Gefilde des eigenen Wesens ausschlägt.
Das Adler-Motiv in seiner symbolisch aufgeladenen Schwerkraft, das seit
den frühen 1970er-Jahren im Werk von Georg Baselitz verankert ist,
erscheint dabei wie kein anderes prädestiniert, diesem unheimlichen
Zug nachzuspüren. "Für die Erfindung eines derart extremen
Bildmodells wie jenem dieser 'Schwarzen Bilder' erschien dem Maler gerade
das Adlermotiv in seiner dynamischen Flächenausbreitung formal zwingend.
Jedes andere Sujet seines figürlichen Repertoires, welches uns mit
der 'Remix'-Serie seit 2004 verjüngt und wie neu erfunden vor Augen
trat, hätte allzu vordergründig das Ikonographisch-Erzählerische
betont."(Michael Semff, Die dunkle Seite - Gedanken zu neuen Gemälden
von Georg Baselitz).
Die von Ulrich Wilmes kuratierte Ausstellung im Haus der Kunst stellt diese
neue Werkreihe zusammen mit den zeitparallel entstandenen Skulpturen in
das Zentrum der Präsentation. Dabei wird rückschauend die formale
und inhaltliche Erneuerung, der Baselitz das eigene Werk immer wieder unterzieht,
anhand von verwandten und komplementären Beispielen von 1978 bis heute
aufgezeigt.
17.10. 2014 - 20.09. 2015
Anri Sala
DER ÖFFENTLICHKEIT - VON DEN FREUNDEN HAUS DER KUNST
'Capsule'-Ausstellungen
Das Haus der Kunst gibt jungen internationalen Künstlern die Gelegenheit,
sich durch eine kleinformatige Ausstellung einem internationalen Publikum
vorzustellen. Für 2014 sind folgende Künstler eingeladen:
24.10. 2014 - 11.01. 2015
Tilo Schulz
Tilo Schulz wird ein neues szenisches Stück schreiben und wendet
sich damit dem bisher wenig beachteten literarischen Teil seines Werkes
zu. Der Text wird von Schauspielern vertont und Bestandteil einer raumgreifenden
Installation, welche die Architektur wesentlich modifiziert und den Besucher
als Akteur aufnimmt.
24.10. - 11.01. 2015
Mohamed Bourouissa
Der französisch-algerische Künstler Mohamed Bourouissa (geb.
1978) untersucht in seinen multi-medialen Arbeiten Strategien der Subjektivierung
und der Repräsentation. Im Zentrum seiner Arbeit stehen Menschen,
die sich sozial, kulturell und ökonomisch an den Rändern der
Gesellschaft bewegen. In früheren Arbeiten wie "Périphérique"
(2005-09) arbeitete er beispielsweise eng mit männlichen Protagonisten
aus den Banlieues zusammen. Er inszenierte sie in Fotografien, die kompositorisch
von den Gemälden Caravagios, Delacroixs oder Géricaults inspiriert
sind.
Für seine Ausstellung im Haus der Kunst entwickelt er ausgehend von
der vielteiligen Installation "All-in" (2013) eine Präsentation,
in der konträre Wertesysteme aufeinander treffen. Im Zentrum der Arbeit
"All-in" stand ein Video, das die Produktion einer Münze
zeigt und unterlegt ist mit der Musik der Rap-Ikone Booba. Bourouissa bewirkt
durch die Reibung unterschiedlicher Wertesysteme einen neuen Blick auf
Personen mit gesellschaftlich 'prekärem' Status und zieht gängige
Mechanismen von Stereotypisierung in Zweifel.
27.02. 2015 - 26.07. 2015
Louise Bourgeois
Im Laufe ihrer sieben Jahrzehnte umfassenden Laufbahn hat Louise Bourgeois
(1911-2010) Ideen initiiert und entwickelt, die später Schlüsselpositionen
in der zeitgenössischen Kunst einnahmen: unter anderem das Format
der Installation, das Theatralische und Themen des Feminismus. Ihre unverwechselbaren
skulpturalen Formen, die in komplexen ikonografischen und psychologischen
Tableaus ausgearbeitet sind, sowie ihre herausragenden Zeichnungen sind
unübertroffen.
Zu den innovativsten und anspruchsvollsten skulpturalen Arbeiten innerhalb
ihres umfangreichen uvres gehören die "Cells" ["Zellen"],
eine Serie von architektonischen Räumen und Situationen, die ihre
Aufmerksamkeit fast zwanzig Jahre lang gefesselt hat. Die Zellen decken
mehrere von Bourgeois' künstlerischen Anliegen gleichzeitig ab und
wirken als hoch emotionale Mikrokosmen. Jede Zelle ist ein facettenreiches
und dichtes Arrangement in einem Gehäuse, das als spannungsreiche
Barriere zwischen Louise Bourgeois' Innenwelt und der Außenwelt des
Ausstellungsraums steht. In sorgfältig inszenierten, fast theatralen
Szenen erzeugen gefundene Gegenstände, Kleidungsstücke oder Stoffe,
Mobiliar und markante Skulpturen von Bourgeois eine intensive Atmosphäre.
In Bourgeois' eigenen Worten:
"Die Zellen repräsentieren verschiedene Arten von Schmerz: physischen,
emotionalen, psychologischen, geistigen und intellektuellen Schmerz. Dabei
ist jedoch die Frage: Wann wird eine Emotion physisch? Wann wird das Physische
emotional? Es geht immer im Kreis ... Jede Zelle befasst sich mit dem Genuss
des Voyeurs, mit dem Reiz des Sehens und Gesehenwerdens. Die Zellen ziehen
sich entweder an oder stoßen einander ab. Es gibt diesen Drang, sich
zu verbinden, zu verschmelzen oder zu zerfallen." (Louise Bourgeois,
1991)
Mit Unterstützung von Louise Bourgeois Studio and Foundation und in
enger Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Freund und engagierten
Assistenten Jerry Gorovoy wird das Haus der Kunst die größte
Anzahl von "Zellen", die je zusammen gezeigt worden sind, in
einer Ausstellung vereinen. Die von Julienne Lorz kuratierte Ausstellung
kehrt damit zu einem Schlüsselaspekt von Bourgeois' Denken zurück,
und analysiert die begrifflichen, architektonischen und psychologischen
Akzente, die sie mit den Zellen gesetzt hat.
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