Haus der Kunst
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täglich 10 bis 20 Uhr
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exhibition
1210. 2012 - 20.01. 2013
Ends of the Earth
Art of the Land bis 1974
Ends of the Earth: Art of the Land bis 1974 ist die erste
große historisch-thematische Ausstellung zur Land Art.
Sie dokumentiert die Impulse, die in den 1960er-Jahren gleichzeitig
von verschiedenen Seiten kamen, sich die Erde als künstlerisches
Medium nutzbar zu machen und Arbeiten an entlegenen Schauplätzen,
weitab vom üblichen Kunstkontext zu zeigen. Die Ausstellung
zeigt die frühen Jahre künstlerischen Experimentierens
und endet Mitte der 1970er-Jahre, bevor Land Art zu einer voll
institutionalisierten Kategorie wurde. Die Ausstellung vernachlässigt
absichtlich das Klischee des romantisierten "Zurück
zur Natur" bzw. der Kulturflucht und bietet stattdessen
einen umfassenden Überblick über die Komplexität
des gesellschaftlichen und politischen Engagements der frühen
Land Art im Kontext ihrer historischen Gegebenheiten.
Ends of the Earth zeigt Land Art ebenso als Medienpraxis wie
als skulpturales Schaffen: Sprache, Fotografie, Film und Fernsehen
spielten bei ihrer Entstehung eine zentrale und keinesfalls nur
ergänzende Rolle. Über achtzig Künstler und Projekte
aus Großbritannien, Japan, Israel, Ost- und Nordeuropa
sowie Nord- und Südamerika sind in der Ausstellung vertreten.
Michael Heizers einzigartige Arbeit "Double Negative"
(1969-70) aus der Sammlung des MOCA nimmt eine Schlüsselposition
ein.
Begleitend erscheint eine umfassende wissenschaftliche Publikation
mit Aufsätzen der Kuratoren, neuen kunsthistorischen Perspektiven
von jungen und etablierten Kunsthistorikern sowie einige Einlassungen
der wichtigsten Künstler.
Die Ausstellung wird zuerst vom 1. April bis 30. Juli 2012 im
Museum of Contemporary Art in Los Angeles (MOCA) gezeigt.
28.09.2012 - 07.04.2013
Open End
Sammlung Goetz im Haus der Kunst
"Open End" ist die vierte Präsentation von Filmen
und Videoarbeiten aus der Sammlung Goetz im Haus der Kunst. Die
hierfür ausgewählten Werke von 14 namhaften Künstlern
behandeln den Aspekt der offenen Erzählung - in visueller
Hinsicht und was die Verwendung von Sprache betrifft. Wie im
modernen und zeitgenössischen Roman, der eine sehr offene
Form der literarischen Erzählung bildet, treten freiere
Erzählformen an die Stelle der herkömmlichen, linear
verlaufenden und auf einen Endpunkt ausgerichteten Handlung.
Gemeinsam ist den Filmen außerdem, dass sie ein offenes
Ende haben; auch dies deutet auf die Ähnlichkeiten hin zwischen
Erzähltechniken des Romans und visuellen Strukturen zeitgenössischer
Filminstallationen.
In "House with Pool" (Teresa Hubbard/Alexander Birchler,
2004) werden mehrere Handlungsstränge konsequent parallel
geführt, ohne dass sie sich jemals berühren. Dabei
ist nicht nur das Ende, sondern auch der Anfang der Erzählung
offen. Und alles, was der Betrachter in eine bestimmte Reihenfolge
bringt, um es zu deuten, bleibt bloße Vermutung. Das Warten
einer Frau in einem gepflegten Haus, ein aus diesem Haus fliehendes
und wieder zurückkehrendes Mädchen sowie der Gärtner,
der ein totes Reh aus dem Swimmingpool birgt, bilden jeweils
einen Handlungsstrang.
Sebastian Diaz Morales fügt sechs Episoden aneinander, die
sich stark ähneln ("The Man with the Bag", 2004).
In allen Episoden läuft ein Mann durch die karge, menschenleere
Landschaft Patagoniens. Dabei hindert ihn der Sack, den er trägt,
am Fortkommen. In jeder Episode stolpert er, verliert den Inhalt
- mal sind es Knochen, mal Steine - und lässt den Sack sogar
am Wegesrand liegen, um seinen Weg allerdings genau dort später
fortzusetzen. Ein Canto Ostinato für zwei Klaviere und Geräusche
des Windes bilden den Soundtrack. Die Bürde, die der Mann
schultert und nie loswird, legt es nahe, ihn als modernen Sisyphus
zu deuten, der zur ewigen Wiederholung einer vergeblichen Tätigkeit
verdammt ist.
In "Journey into Fear" (2001) mischt Stan Douglas die
Schachtelerzählung mit Elementen des Thrillers. Der Film
spielt auf einem Containerschiff. Die Lotsin will den Frachter
pünktlich zum Zielhafen führen. Wegen eines Warentermingeschäfts,
das nur bei verspäteter Ankunft Gewinn bringt, setzt der
Frachtkontrolleur sie mit Schmeichelei, Bestechung und sogar
Morddrohungen unter Druck. Das Script für den Film besteht
aus mehreren Dialogvarianten, die in weitere Abschnitte unterteilt
sind, so dass ein Computer nach dem Zufallsprinzip auswählen
und insgesamt Hunderte verschiedene Varianten bilden kann. Einzelne
Abschnitte der Handlung wiederholen sich also ständig und
sind gleichzeitig leicht abgewandelt. Statt eine Haupterzählung
voranzutreiben, stellt der Regisseur mit den unzähligen
Variationen die Frage, in wie viele Abschnitte und Wiederholungen
man eine Handlung zergliedern kann, damit sie noch als Erzählung
wahrgenommen wird.
Wiederholung ist auch in "The Warriors of Beauty" (Pierre
Coulibeuf, 2002/06) ein wichtiges Stilmittel. Die 2-Kanal-Installation
zeigt ein Hauptbild im Loop: einen nackten Mann, der mit ausgebreiteten
Armen Richtung Decke springt und dabei jedes Mal zu Fall kommt.
Auf der zweiten Leinwand wird eine Abfolge von Figuren gezeigt,
die sich wie bei einer Drehscheibe wiederholt. Wieder haben die
Handlungen weder Anfang noch Ende. Sie wirken diesmal jedoch
abseitig bzw. surreal, weil auch weder Ziel noch Beweggrund zu
erkennen sind: Ein Mann in Ritterrüstung reibt sich auf
im Kampf gegen einen unsichtbaren Gegner; eine Braut hastet suchend
durch die Gänge einer Klosteranlage; aus dem Mund einer
jungen Frau kriechen Käfer, usw. Alle scheinen von einem
Dämon besessen, der ihnen die Bewegungen vorgibt. Der Handlungsraum,
der sich entfaltet, ist choreografisch angelegt und vom Theater
her gedacht. Doch hat das Treiben der gequält wirkenden
Seelen auch Wurzeln in der Malerei und Literatur, die zurück
bis zu den Höllenvisionen eines Dante Alighieri oder Hieronymus
Bosch reichen. Es ist kein Zufall, dass der Drehort einer mittelalterlichen
Klosteranlage ähnelt.
In der Literatur kann ein Text einen Subtext haben, der die "eigentliche"
Botschaft zwischen den Zeilen transportiert. "The Interview"
verdeutlicht das Verhältnis von Text und Subtext mit filmischen
Mitteln. Der 'Text' erzählt von Helen, einer alleinerziehenden
Frau. Obwohl sie sich auf ein Vorstellungsgespräch vorbereitet,
nimmt sie für eine Nacht eine Unbekannte, Shirley, bei sich
auf, die an ihrer Tür klingelt und keine feste Bleibe hat.
Die Kamera begleitet die Unterhaltung, zeigt die im Morgengrauen
erwachte Shirley, und Helen auf dem Weg zum Vorstellungsgespräch.
Der Film endet mit einer Frontalaufnahme von ihrem ernsten Gesicht.
Der Subtext reicht tiefer als die äußeren Ereignisse;
er offenbart die Spiritualität, die in jeder alltäglichen
Handlung wie etwa Teekochen verborgen ist und enthüllt das
Innenleben der Figuren: ihre Unruhe, ihr Bedürfnis nach
Achtung und ihre Fähigkeit zur Empathie. Zentrales Stilmittel
dabei ist das Farbentiming: In ihrer Privatsphäre verleiht
die Kamera den Protagonisten nur eine Andeutung von Farbe; bei
der Berührung mit ihrem sozialen Umfeld dagegen erhöht
sich der Farbanteil. Auch die meditative Kameraführung trägt
dazu bei, die seelische Verfassung der Personen sehen und zeigen
zu können.
Laurent Montaron und Clement Page tasten sich ebenfalls an das
heran, was mit Worten nur schwer sagbar ist. Bei Clement Page
geht es um die Trancezustände eines kleinen Jungen, bei
dem sich eine kindliche Phobie vor weißen Wölfen festigt,
die er in Kinderbüchern sieht. Der Film basiert auf Sigmund
Freuds Fallstudie "Der Wolfsmann". Bei Montaron kommt
das Versagen von Sprache schon im Titel zum Ausdruck; der Film
trägt den Titel "Balbvtio", was auf Lateinisch
"Stottern" bedeutet. Ein Junge schießt Tauben
in einer alten Kirche und wickelt einer dieser Tauben einen Zettel
vom Bein. Den Text auf diesem Zettel übersetzt er mithilfe
eines Wörterbuchs; der Sinn ist jedoch so deutlich - bzw.
undeutlich - wie konkrete Poesie. Bei allem ist die Reihenfolge
der Ereignisse so lose und hat so viele Brüche wie in einem
Traum.
Auch die Beiträge von Isaac Julien und Emmanuelle Antille
können als Traumtagebücher verstanden werden. Insgesamt
zeigt diese Werkauswahl, dass der Filmregisseur bei der Wahl
der künstlerischen Mittel und erzählerischen Techniken
ebenso viele Möglichkeiten hat wie der Autor eines Romans.
Dazu gehört das offene Ende, aber auch der Genremix, die
Rahmen- und Episodenerzählung, das gesamte Spektrum von
Erzählperspektiven (von der Figurenperspektive bis zum allwissenden
Autor und sämtliche Mischformen), die Technik des Bewusstseinsstroms
und die Variation über ein Grundthema; und wie sich mancher
Romanautor über den Prozess des Schreibens seinem Leser
mitteilt, kann auch der Filmregisseur das Erzählen selbst
auf einer übergeordneten Ebene zum Thema erheben.
"Open End" ist die vierte Präsentation von Werken
aus der Sammlung Goetz im Haus der Kunst. Die Ausstellung wird
von Ingvild Goetz kuratiert.
Mit
Emmanuelle Antille, Radiant Spirits, 2000
Pierre Coulibeuf, The Warriors of Beauty, 2002/06
Sue de Beer, The Quickening, 2006
Sebastian Diaz Morales, The Man with the Bag, 2004
Stan Douglas, Journey Into Fear, 2001
Dominique Gonzalez-Foerster & Tristan Bera, Belle Comme le
Jour, 2012
Teresa Hubbard / Alexander Birchler, House with Pool, 2004
Isaac Julien, Paradise Omeros, 2002
Ross Lipman, The Interview, 2004
Laurent Montaron, Balbvtio, 2009
Saskia Olde Wolbers, Day-Glo, 1999
Clement Page, Hold your breath, 2010
Ann-Sofi Sidén, QM, I Think I Call Her QM, 1997
Yang Fudong, Honey (mi), 2003
01.02.2013 - 12.05.2013
Kendell Geers 1989-2012
Kendell Geers' Leben und Werk lassen sich in zwei Werkphasen
gliedern, die jeweils ein Jahrzehnt umfassen. Diese Phasen werden
in der Ausstellung auf ihre Entwicklung hin untersucht.
Über seine erste, politische Phase von 1989-2000 vermittelt
die Ausstellung zum ersten Mal in Europa einen Überblick.
Zu dieser Zeit lebte Kendell Geers als weißer Südafrikaner
im System der Apartheid, wo er sich in seiner künstlerischen
Praxis mit den Widersprüchen der Moral und Ethik des Systems
auseinander setzte. Über Akte der Aneignung von historischen
Ereignissen und Ideen stellte er die Erfahrung des subjektiven
Ichs in der Gesellschaft in den Mittelpunkt: Geers änderte
sein Geburtsdatum in05. 1968, den Beginn der Studenten- und Bürgerrechtsbewegung
("T.W. [C.V.]") und trat zur Zeit der ersten demokratischen
Wahlen in Südafrika jeder politischen Partei bei ("Untitled
[ANC, AVF, AWB, CP, DP, IFP, NP, PAC, SACP]" 1993-94). Über
die Verwendung gefundener Objekte wie Stacheldraht, Neonleuchten
oder Glasscherben fand er so zu seiner von Provokation, Humor
und Gewalt geprägten Bildsprache.
Seine spätere, europäische Phase, eingeleitet mit dem
Umzug nach Brüssel im Jahr 2000, ist geprägt von einer
eher poetischen Ästhetik. Geers überführte seine
aufrührerisches Praxis in einen postkolonialen, globaleren
Kontext, indem er sich mit übergreifenden Erzählungen
der Zeit wie Terrorismus, Religion und Sterblichkeit befasst.
Geers folgt dennoch weiter seiner konzeptuellen Sprache der Aneignung
und stellt sie in großformatigen Werken und skulpturalen
Objekten dar.
Die Ausstellung vollzieht zudem den Einfluss von Sprache und
Literatur nach. So können Leben und Werk des Künstlers
als lebendes Archiv gesehen werden, bestehend aus politischen
Ereignissen, Fotografien, Briefen und literarischen Texten. Diese
dienen ihm sowohl als Inspirationsquelle und bilden gleichzeitig
eine Fortsetzung seines Schaffens.
Die Ausstellung kuratiert Clive Kellner, ehemaliger Direktor
der Johannesburg Art Gallery und derzeit Curator-at-large der
Gordon Schachat Collection. Im Anschluss wird die Ausstellung
in der South African National Gallery, Kapstadt, zu sehen sein.
15.02.2013 - 26.05.2013
Aufstieg und Fall der Apartheid: Fotografie und Bürokratie
des täglichen Lebens
Mit Fotografie, Kunst, Film, Video und Archivmaterial geht die
Ausstellung der Frage nach, wie die Strukturen der Rassentrennung
in Südafrika in das tägliche Leben verwoben und als
Teil der bürokratischen Ordnung des Staates Südafrika
normalisiert wurden.
Sie erforscht die Bedeutung des 50 Jahre andauernden Rechtskampfes
nach dem überraschenden Sieg der Afrikaner National Party
1948, bis zum Aufstieg Nelson Mandelas zum charismatischen Anführer
der Opposition 1994, und schließlich den andauernden Einfluss
von Apartheid auf die südafrikanische Gesellschaft. Dennoch
ist die Ausstellung keine Geschichte der Apartheid, sondern eine
Untersuchung der normativen Symbole, Zeichen und ihrer fotografischen
und visuellen Repräsentation. 1948 wurde die Fotografie
aufmerksam auf die Veränderungen, die in Politik und Gesellschaft
stattfanden, und veränderte ihre visuelle Sprache von einem
rein anthropologischen Mittel in ein soziales Werkzeug. Gerade
aus diesem Grund konnte niemand sonst die Anstrengungen gegen
Apartheid kritischer dokumentieren als südafrikanische Fotografen:
sie zeigen ihre Mitbürger nicht nur als Opfer, sondern auch
als Vertreter ihrer eigenen Emanzipation. Durch eine Auswahl
von fast 500 Fotografien, Filmen, Büchern, Magazinen, Zeitungen
und ausgesuchtem Archivmaterial bietet die Ausstellung einen
umfangreichen Überblick über die visuellen Reaktionen
auf Apartheid. Arbeiten der Mitglieder des "Drum Magazine"
in den 1950er-Jahren bis zum Afrapix Collective in den 1980er-Jahren
und der Reportage des so genannten Bang Bang Clubs sind in der
Ausstellung ebenso zu sehen wie Werke von bspw. Leon Levson,
Eli Weinberg, Peter Magubane, Ernest Cole, Alf Kumalo, Jürgen
Schadeberg und David Goldblatt. Außerdem verdeutlichen
Arbeiten einer neuen Generation südafrikanischer Fotografen
wie etwa Sabelo Mlangeni und Thabiso Sekgale die Auswirkungen
von Apartheid, die bis heute spürbar sind.
Die Ausstellung wird von Okwui Ewenzor und Rory Bester kuratiert
und hat ihre Premiere am International Center of Photography
in New York (14.09.2012 - 06.01.2013).
07.03.2013 - 23.06.2013
Mel Bochner - Wenn sich die Farbe ändert
Mel Bochner (geb. 1940 in Pittsburgh, Pennsylvania) gilt als
einer der Begründer der Konzeptkunst. Er gehört damit
zu einer Künstlergeneration, die zu Beginn der 1960er-Jahre
die Vorrangstellung der Malerei in der Kunst radikal aufgebrochen
hat. Bochner realisierte dies unter anderem durch die Einführung
von Sprache. In seiner jüngeren Werkentwicklung beschäftigt
sich Bochner zunehmend mit einer Überprüfung des einst
verschmähten Mediums, wobei ihm die eigene konzeptuelle
Bildsprache zu Erkenntnissen über die neuen Möglichkeiten
der Malerei verhilft. Die Ausstellung zeigt die Beziehungen auf,
die zwischen Bochners Verwendung von Sprache und Farbe in den
1960er/70er-Jahren und seinen Werken der letzten zehn Jahre bestehen.
Sie umfasst verschiedene Medien, von den frühen kleinen
Skulpturen und Zeichnungen, über Installationen und Wandmalerei,
zu Fotografien und Gemälden.
Die Ausstellung wird von Dr. Ulrich Wilmes kuratiert und in Zusammenarbeit
mit der Whitechapel Gallery, London entwickelt. Dort ist sie
vom 12.10.2012 - 30.12.2012 zu sehen.
19.04.2013 - September 2013
Sammlung Goetz im Haus der Kunst, Teil 5
In den 90er-Jahren, als Ingvild Goetz anfing, systematisch auch
Medienkunst zu sammeln, wurden die theoretischen Grundlagen für
die Gender Studies gefestigt, die uns mittlerweile durch die
vergleichende Literaturwissenschaft, Kulturwissenschaft und Nachbardisziplinen
vertraut sind. Die Werke, die Ingvild Goetz in ihre Sammlung
von Medienkunst aufgenommen hat, spiegeln das damals rege Interesse
an diesen Themen. Die ausgewählten Filme sind ab den frühen
90er-Jahren entstanden. Mit ihren weiblichen Hauptfiguren zeichnen
sie Rollenbilder und damit ein bestimmtes Verständnis von
Weiblichkeit oder vertreten explizit eine feministische Position.
Mit Werken von Chantal Akerman, Rineke Dijkstra, Tracy Moffatt,
Rosemarie Trockel u.a. vollzieht die Ausstellung die Entwicklungen
des feministischen Diskurses seit den 90er-Jahren nach.
Kuratorin der Ausstellung ist Patrizia Dander.
09.06.2013 - 29.09.2013
Joëlle Tuerlinckx
WORLD(K) IN PROGRESS?
Das künstlerische Vokabular von Joëlle Tuerlinckx (geb.
1958 in Brüssel) zitiert die Gepflogenheiten, mit denen
üblicherweise Archivmaterial präsentiert wird: Joëlle
Tuerlinckx verbindet Zeichnungen und Fundobjekte, Papier, Vitrinen,
Zeitungen und Fotografien zu collagen- und skulpturhaften Arrangements.
Eine zentrale Frage, um die sie mit diesen Arrangements kreist,
ist die, was vom 20. Jahrhundert bleibt, und welche Konventionen
wir nutzen, um unser Wissen darzustellen. Die Frage weitet sich
aus zur Frage nach der Beschaffenheit von Zeit: Ist sie nicht
vielmehr dehnbar, als sie linear verläuft? Können wir
unterschiedliche Schichten gleichzeitig wahrnehmen, Vergangenheit
und Gegenwart? Was begreifen wir als reale, was als parallele
Welt, was als Original, und was als Imitation? Und gibt es Dinge,
die uns entschlüpfen, die sich unserer Wahrnehmung entziehen?
Für ihren ersten großen Auftritt in einer deutschen
Institution reaktiviert Tuerlinckx frühere Werke, fügt
neue Teile hinzu, und schafft neue Konstellationen.
Kuratorin der Ausstellung ist Julienne Lorz.
21.06.2013 - 22.09.2013
Ivan Ko_ari_
Freiheit ist ein seltener Vogel
Ivan Ko_ari_ (geb. 1921 in Petrinja, lebt und arbeitet in Zagreb)
gehört zu den bedeutendsten zeitgenössischen Künstlern
aus Kroatien. Ende der 1940er-Jahre beendete er seine Ausbildung
an der Kunstakademie in Zagreb und entwickelte sich zu einer
der wichtigsten künstlerischen Figuren innerhalb der Nachkriegs-Avantgarde-Bewegungen
im ehemaligen Jugoslawien. Wenngleich Ko_ari_ in Kroatien als
anerkannter und einflussreicher Künstler gilt, stellt diese
Übersichtsausstellung, die mehr als fünf Jahrzehnte
seines komplexen künstlerischen uvres präsentiert,
die erste vertiefende Analyse seiner künstlerischen Praxis
außerhalb Kroatiens dar. Ko_ari_ war Mitglied der von 1959
bis 1966 tätigen Avantgarde-Gruppe Goronga, die in ihrer
"Anti-Kunst" die geistige Haltung als vorrangig gegenüber
der Form ansah. Auch danach behielt Ko_ari_ den Sinn für
Einfachheit und einen schnellen, erkennbaren Gestus bei. In seinen
Arbeiten thematisiert er zudem die Grenzen der traditionellen
Kunstgattungen. So bearbeitet er dasselbe Thema gleichermaßen
in Skulptur, Zeichnung und Fotografie oder vergibt den gleichen
Titel an ein Einzelwerk wie an eine Serie von Arbeiten. Ko_ari_,
der bereits früh in seiner Karriere Anerkennung im Ausland
fand, gilt heute als einer der einflussreichsten Künstler
Kroatiens - sowohl innerhalb seiner Generation, als auch für
jüngere Künstler.
Kuratorin der Ausstellung ist Patrizia Dander.
Juli 2013 - Oktober 2013
Paper Weight - Genre-defining Magazines, 2000-Now
Eine Auswahl von 20 Magazinen zeigt, welche Faktoren die Produktion
von Zeitschriften in den letzten 13 Jahren beeinflusst haben.
In diesem Zeitraum haben sich die Medien an Modelle digitaler
Publikation angepasst, um aktuell und relevant zu bleiben; gleichzeitig
kamen neue und äußerst sorgfältig gestaltete
Magazine auf den Markt. Die 20 ausgewählten Zeitschriften
stechen durch ihr großes visuelles Engagement heraus, und
jede definiert ein bestimmtes Genre; sie nehmen einen bestimmten
Standpunkt ein und besitzen eine starke Persönlichkeit.
Da die Herausgeber das Publizieren weiterhin als kulturelle Praxis
verstehen, wollen sie mit den Magazinen nicht nur kulturelle
Artefakte schaffen, sondern kulturelle Veränderungen auch
selbst hervorrufen. Ihre stark optimistische Sicht auf eine Welt,
die sie selbst neu schaffen möchten, macht das Inspirationspotenzial
dieser Magazine aus. Die Ideen zielen darauf, den Leser herauszufordern,
zu überraschen und ihn anzuregen. Zu der Auswahl gehören
u.a. "032c", "Bidoun", "BUTT",
"Fantastic Man", "Girls like us" und "Toilet
Paper". Sie haben unterschiedliche Schwerpunkte wie Architektur,
Kunst, Design, Mode und Sex; gemeinsam ist ihnen jedoch die hohe
Qualität der Ausführung und die Ernsthaftigkeit ihrer
Absicht.
Ausstellungsarchitekt Andreas Angelidakis hat einen Parcours
entworfen, in dem jede Zeitschrift überdimensional und im
jeweiligen kulturellen Kontext vorgestellt wird.
Kurator der Ausstellung ist Felix Burrichter.
25.10.2013 - 02.02.2014
Lorna Simpson
Die erste europäische Retrospektive über 30 Jahre
des uvres von Lorna Simpson umfasst die Medien Fotografie, Film,
Video und Zeichnung. Die afrikanisch-amerikanische Künstlerin,
geboren in Brooklyn, New York, wurde Mitte der 1980er-Jahre mit
großformatigen Fotografie-Text-Arbeiten von konzeptueller
Strenge und sprachlicher Prägung bekannt. Obwohl die Bilder
durch den Text an Bedeutung gewinnen, ist die Verbindung zwischen
beiden offen. Die Erzählweise ist nicht direkt und dokumentarisch,
sondern anspielungsreich und kodiert; Geschichte und Handlung
zu gestalten, ist der Fantasie des Betrachters überlassen.
Lorna Simpson nutzt die Figur der afrikanisch-amerikanischen
Frau, um den konventionellen Blick auf Geschlechterrollen, Identität,
Kultur, Geschichte und Gedächtnis herauszufordern und zu
untersuchen, wie Interaktionen, Beziehungen und Erfahrung geformt
werden. Mitte der 1990er-Jahre begann sie große, auf Filz
gedruckte und aus mehreren Tafeln bestehende Fotografien herzustellen;
die Tafeln werden meist von Text begleitet und deuten unterschiedliche
Orte und Begegnungen an. In den letzten zehn Jahren wendete sie
sich Film- und Videoarbeiten zu, in denen Personen intime und
rätselhafte Konversationen haben, die das Mysterium von
Identität und Sehnsucht gleichermaßen ansprechen.
Die Ausstellung zeigt außerdem eine große Auswahl
an Zeichnungen und Aquarellen, die Lorna Simpson seit 2005 ausgeführt
hat. In ihren jüngsten Arbeiten stellt sie Replikaktionen
von Fotografien der 1950er-Jahre nach, in denen sie selbst die
Position und Mimik der Dargestellten einnimmt.
Die Ausstellung wird kuratiert von Joan Simon und ist vom 28.05.2013
bis 01.09.2013 im Jeu de Paume, Paris, zu sehen.
September 2013 -04. 2014
Sammlung Goetz im Haus der Kunst, Teil 6
Teil 6 der Kooperation zwischen Haus der Kunst und Sammlung
Goetz ist der Verbindung zwischen Film und Malerei gewidmet.
Die ausgewählten Arbeiten haben Bezüge zu Abstraktion,
zum Stillleben, zum Tableau vivant, oder erlangen durch die Gestaltung
von Oberflächen haptische Qualitäten. Das Spektrum
der formalen und inhaltlichen Bezüge reicht von der Übertragung
von Mitteln der Malerei in das Medium Film bis zur konzeptuellen
Analyse der Malerei innerhalb des Films, wie z.B. bei Seth Price.
Mit Diaprojektionen, digitalen Animationen, Filmen und Videos
von Paul Chan, Peter Fischli/David Weiss, Cyrill Lachauer, Fabian
Marcaccio, Seth Price, Kathrin Sonntag, Sam Taylor-Wood u.a.
Kuratorin der Ausstellung ist Patrizia Dander.
Änderungen vorbehalten.
Konzerte finden, wenn nicht anders angegeben, im Westflügel
des Haus der Kunst statt und beginnen um 20 Uhr.
Vera Kappeler & Peter Conradin Zumthor
Fr 04 Jan
Ein Vorgeschmack auf Künftiges: Im Frühjahr 2013 werden
die beiden Schweizer Musiker Vera Kappeler und Peter Conradin
Zumthor neue Werke bei ECM aufnehmen. Im Zusammenspiel mit Zumthor,
der das melodische Potenzial und die Texturen seines Schlagwerks
immer wieder neu auslotet, gelingt es der Pianistin Kappeler,
einen unverwechselbaren poetischen Kosmos zu erschaffen. Dabei
ist sie, so Peter Rüedi, "nicht naiv und nicht kompliziert
[...]. Auf ihre verquere Weise ist sie gewiss die spannendste
Pianistin zur Zeit."
30 Euro / 15 Euro
András Schiff
Sa 05 Jan
András Schiffs unvergleichliche Interpretationen der Klavierwerke
von Johann Sebastian Bach gehören zu den Wundern der zeitgenössischen
klassischen Musik. Der ungarische Pianist hat sich im Laufe der
Jahre immer wieder mit Bachs Partiten auseinandergesetzt und
dabei stets neue Entdeckungen gemacht: "Große Werke
sind viel größer als ihre Interpreten", so Schiff.
"Ein Leben lang bemühen wir uns, ihre Geheimnisse zu
entdecken, ihre einzigartige Botschaft zu vermitteln. Wenn wir
das imaginäre Ziel auch nie ganz erreichen werden, so gewinnen
wir durch wiederholte Aufführungen doch Erfahrungen und
Kenntnisse, die uns Jahre zuvor noch verborgen waren. Dies ermöglicht
uns ein tieferes Verständnis ihrer Struktur und Wesensart,
und es öffnen sich uns neue Horizonte."
30 Euro / 15 Euro
Nik Bärtsch's Ronin
Do 10 Jan
Unter der Leitung des Schweizer Pianisten und Musikphilosophen
Nik Bärtsch gibt das zum Quartett reduzierte Ronin-Ensemble
sein erstes Konzert in München. Es ist ein flexibler Balanceakt
zwischen minimalistischen Impulsfolgen und eindringlich funkigen
Grooves, der tiefgründige Kompositionen auf der Basis spannungsreicher,
tanzender Rhythmen hervorbringt.
30 Euro / 15 Euro
Evan Parker Electro-Acoustic Quartet
Food
Fr 11 Jan
Das Quartett des bahnbrechenden Evan Parker Electro-Acoustic
Ensemble besteht aus zwei Paarungen, deren radikales musikalisches
Wirken die Entwicklung der freien Improvisation in gleichem Maße
beeinflusst hat: das 1969 gegründete Evan Parker/Paul Lytton
Duo und das Elektronik-Duo FURT, das Richard Barrett und Paul
Obermayer seit 1986 unterhalten. Für die ECM-Retrospektive
im Haus der Kunst haben Barrett und Obermayer ihre Computer mit
Samples der Music Improvisation Company dotiert, jener elektronisch-akustischen
Pioniertruppe, die bereits 1970 in den ECM-Studios aufnahm.
Auch das englisch-norwegische Duo Food des Saxophonisten Iain
Ballamy und des Schlagzeugers Thomas Strønen produziert
elektronisch eingefärbte, immer wieder überraschende
und fein ziselierte Soundscapes. Regelmäßig holen
sie sich Unterstützung bei einer ganzen Reihe von Gastmusikern,
so etwa bei Christian Fennesz, der ursprünglich aus der
Wiener Techno-Szene der 1980er-Jahre stammt und seine gitarrenbasierten
Samples und Soundtexturen inzwischen mit unterschiedlichsten
Stilen kombiniert.
30 Euro / 15 Euro
Tim Berne Snakeoil
Sa 12 Jan
Die komplexen Titel, die der New Yorker Saxophonist Tim Berne
für sein Snakeoil-Projekt arrangiert hat, führen uns
durch labyrinthische Korridore: Hinter jeder Ecke treffen wir
auf überraschende Wendungen, verschlungene Melodien, plötzliche
rhythmische Verschiebungen und modulare Grooves, die eine geradezu
unaufhaltsame Dynamik entwickeln. Komponierte und improvisierte
Sequenzen gehen dabei unmerklich ineinander über, überlappen
sich oder laufen parallel. Bernes kantiges Altsaxophon - hier
lässt sich der Einfluss seines einstigen Lehrers Julius
Hemphill erkennen - kontrastiert mit dem eher lyrischen Duktus
des Klarinettisten Oscar Noriega, Matt Mitchells konzisem Klavierspiel
und dem schier unerschöpflichen Fundus des Schlagwerkers
Ches Smith (Schlagzeug, Gongs, Becken und Stabspiele).
30 Euro / 15 Euro
Anja Lechner
Christian Reiner: Hölderlins "Turmgedichte" (Lesung)
Sa 26 Jan
Der armenische Komponist Tigran Mansurjan hat das Cello der Münchnerin
Anja Lechner einmal als "offenes Fenster für sämtliche
reinen Klänge der Musik aus aller Welt" beschrieben.
Auch dieses Konzert umspannt ein breites Panorama von Mansurjan
und seinen Zeitgenossen Giya Kancheli und Valentin Silvestrov
bis hin zu den Werken des schottischen Barock-Komponisten und
Gambisten Tobias Hume.
Im Anschluss an Lechners Soloauftritt liest der Wiener Schauspieler
und Stimmkünstler Christian Reiner aus Friedrich Hölderlins
späten "Turmgedichten". Für ECM und die Musiker
des Labels ist Hölderlin seit jeher ein wichtiger Bezugspunkt,
was sich wiederum mit Reiners musikalischer Auffassung vom gesprochenen
Wort deckt. So kommt in seinem Vortrag jede Silbe der zeitlosen,
enigmatischen Gedichte zu ihrem Recht.
30 Euro / 15 Euro
Gidon Kremer, Giedre Dirvanauskaite & Daniil Grishin
So 27 Jan
Mit Gidon Kremer, Giedre Dirvanauskaite und Daniil Grishin treffen
an diesem aufregenden Kammermusikabend ein lettischer Violinist,
eine litauische Cellistin und ein russischer Pianist aufeinander.
Gidon Kremer, einer der herausragenden Interpreten der ECM New
Series, ist ein unermüdlicher Vermittler der Neuen Musik.
Im Haus der Kunst wird er gemeinsam mit seinen brillanten Partnern
Werke von Victor Kissin, Sofia Gubaidulina und Mieczys_aw Weinberg
zur Aufführung bringen.
30 Euro / 15 Euro
Stefano Battaglia Trio
Fr 01 Feb
Stefano Battaglia wird meist als "Jazzpianist" betitelt,
doch
wäre es falsch, ihn darauf zu reduzieren: Letztlich ist
das italienische Multitalent ein Postmodernist mit klassischen
Präferenzen und einer großen Offenheit für die
verschiedensten historischen und kulturellen Einflüsse.
In jüngster Zeit forscht er nach "einem neuen harmonischen
Gleichgewicht zwischen archaischen, modalen und vortonalen Gesängen
sowie Tänzen, Chorälen und abstrakten Texturen".
Ausdruck findet dies auf seinem neuen Album "Songways"
in Kompositionen, die auf legendäre, mythische und/oder
visionäre Orte verweisen: etwa Aristophanes' Stadt der Vögel,
Dantes sechsten Höllenkreis, Italo Calvinos unsichtbare
Städte oder den Turm von Babel.
30 Euro / 15 Euro
Charles Lloyd & Jason Moran
Sa 02 Feb
Der Saxophonist Charles Lloyd und der mehrfach ausgezeichnete
Pianist Jason Moran präsentieren bei diesem Release-Konzert
ihr erstes Duoalbum "Hagar's Song". Der in Memphis
(Tennessee) geborene Lloyd gehört zu jener Musikergeneration,
die Anfang der 1960er-Jahre die als "New Thing" bekannt
gewordene Periode des Free Jazz einläutete. Seither hat
er seine Erfahrung immer wieder mit jüngeren Kollegen geteilt,
so etwa mit dem Texaner Jason Moran, der neben seinen eigenen
Bandprojekten seit 2006 auch mit dem Charles Lloyd Quartet Erfolge
feiert. Das Repertoire des Duos enthält neben Lloyds eigenen
Kompositionen auch Stücke von Ellington, Strayhorn, Gershwin,
Earl Hines, Bob Dylan, Brian Wilson und anderen.
30 Euro / 15 Euro
Tomasz Stanko New York Quartet
Sa 09 Feb
An diesem Abend feiert das Tomasz Stanko New York Quartet seine
München-Premiere mit dem neuen Album "Wis_awa",
das dem Andenken an die im02. 2012 verstorbene polnische Lyrikerin
Wis_awa Szymborska gewidmet ist. Ähnlich seinem Vorbild
Miles Davis hat auch Stanko ein Händchen dafür, außergewöhnliche
Musiker zusammenzubringen: Neben Thomas Morgan (Bass) und Gerald
Cleaver (Schlagzeug), einem der wohl einfühlsamsten Rhythmusgespanne
des modernen Jazz, komplettiert der junge kubanische Pianist
David Virelles das Ensemble. Dieser schöpft aus den unterschiedlichsten
Quellen - von ritueller Musik bis zu Thelonious Monk und Andrew
Hill -, um für die dunkle Grundstimmung in Stankos Balladen
exakt den richtigen Ton zu treffen.
30 Euro / 15 Euro
Jan Garbarek & The Hilliard Ensemble
Mo 11 Feb
Allerheiligen-Hofkirche in der Münchner Residenz
Zum Abschluss der Konzertreihe feiert eine der außergewöhnlichsten
Kooperationen des ECM-Labels ihr 20-jähriges Bestehen: Seit
1993 verbinden Jan Garbarek und die Sänger des Hilliard
Ensembles auf unnachahmliche Weise den kristallklaren Klang des
Saxophons mit mehrstimmigen Chorälen. Die große emotionale
Kraft von "Officium", "Mnemosyne" und "Officium
Novum" speist sich dabei aus alten wie modernen Quellen.
Der Norweger Garbarek nähert sich dem Material jedes Mal
aufs Neue, improvisiert gemeinsam mit den Solisten, erzeugt labyrinthische
Kontrapunkte, taucht ein in die Textur der Stimmen und wieder
daraus hervor. So entsteht, wie es der "Evening Standard"
bezeichnete, "some of the most beautiful acoustic music
ever made".
30 Euro / 15 Euro
Medienpartner der Ausstellung ist Bayern 2
Gefördert vom
Bayerischen Staatsministerium für Wissenschaft, Forschung
und Kunst
Kulturreferat der Landeshauptstadt München
Konzertflügel aus dem Steinway-Haus München
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