Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
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12.07. - 28.09. 2008
Gotthard Graubner - Radierungen
Gotthard Graubner gehört zu den bedeutendsten deutschen
Künstlern des 20. Jahrhunderts. Der 1930 in Erlbach im Vogtland
geborene Künstler, der im Jahr 1968 an der documenta 4 und
1977 an der documenta 6 teilnahm, und Deutschland 1982 auf der
Biennale in Venedig vertrat, wurde durch seine konsequent entwickelten
"Kissenbilder" und "Farbraumkörper"
international bekannt. Zentrales Thema seines Werks ist die forschende
Auseinandersetzung mit Farbe und ihren Raum und Atmosphäre
schaffenden Wirkungen. Farbe verwandelt sich nach der Auffassung
des Künstlers in einen atmenden Organismus. Er fasst dies
in die Formel: "Farbe = Verdichtung zum Organismus = Malerei".
Parallel zu seinen Gemälden entstanden seit frühester
Zeit Arbeiten auf Papier. Graubners Aquarelle präsentierte
die Staatliche Kunsthalle Karlsruhe im Jahr 2001. Nun widmet
sie seiner Druckgrafik eine umfassende Werkschau, die dadurch
ihren besonderen Stellenwert erhält, dass die Kunsthalle
über den derzeit umfassendsten Bestand an Unikat-Radierungen
des Künstlers in einer öffentlichen Sammlung verfügt.
Die 185 Blätter wurden im Jahr 2003 und 2007 für das
Kupferstichkabinett angekauft und werden nun erstmals in einer
Auswahl präsentiert. Diese Schau war für den Künstler
ein Anlass, der Kunsthalle weitere 51 Blätter zu schenken.
Dass der Maler Gotthard Graubner sich seit 1969 kontinuierlich
mit der Radierung befasst, mag auf den ersten Blick überraschen,
da es sich bei diesem Medium um eine Gattung handelt, die primär
aus der Linie hervorgeht. Graubners Radierungen hingegen operieren
wesentlich mit flächig eingesetzter Farbe, deren Schichtungen
durch den Druck von mehreren Platten Räumlichkeit
erzeugen. Dazu dienen ihm neben der Ätzradierung die Drucktechniken
Aquatinta und Vernis mou ein Weichgrundverfahren, das besonders
malerisches Arbeiten erlaubt. Indem der Künstler seine Platten
jeweils variierend einfärbt, entstehen Unikat-Radierungen.
Graubner versteht seine Kunst als Prozess und experimentiert
fortgesetzt mit verschiedenen Farbklängen, die mitunter
zu subtil differenzierten Serien von Monoprints führen.
Neben der Erscheinung der Farbe spielt die Ästhetik des
Papiers für den Künstler eine zentrale Rolle: Graubner
bearbeitet seine Platten mit Pinsel und Stoffballen und druckt
auf ausgewählten Bütten- und Japanpapieren.
Die Ausstellung präsentiert die verschiedenen Werkgruppen
seit 1969 in chronologischer Folge bis heute. Zu Beginn des uvres
dominieren in diesen Blättern Schwarz-Weiß, dunkle
Erdtöne und klar abgegrenzte Kissenformen, die im Zentrum
des Blattes platziert werden. In den 1970er Jahren wendet sich
Graubner dem Vernis mou zu. In Auseinandersetzung mit dem Akt
schafft er monochrome Abdrücke von seinem Bauch, seinen
Händen und Füßen. Er widmet sich damit sowohl
motivisch, als auch auf der Materialebene über die
dünnen, fast transparenten Papiere dem Thema Haut
und Organismus.
In den 1980er Jahren dies ist ein neuer Aspekt seines
Schaffens nehmen häufig Papierfaser und radierte Linie
einen spielerischen Dialog auf. Seit den 1990er Jahren nähern
sich die großformatigen Monoprints und Monotypien seiner
Malerei an. Strahlend helle Leuchtfarben ergänzen seit 2000
sein Farbrepertoire.
Graubner, der von 1947 an die Hochschule für Bildende
Künste in Berlin und die Dresdner Kunstakademie besuchte,
verließ 1954 die DDR und ging an die Düsseldorfer
Kunstakademie. Im Jahr 1969 wurde er als ordentlicher Professor
an die Hochschule für Bildende Künste Hamburg berufen,
1976 übernahem er einen Lehrstuhl für Freie Malerei
an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf.
Die Ausstellung gibt Einblick in einen noch wenig bekannten,
gleichwohl äußerst bedeutenden Teil des künstlerischen
Werkes von Gotthard Graubner. Es erscheint ein Katalog (Kehrer
Verlag) mit Beiträgen von Dorit Schäfer und Nina Trauth,
der den gesamten Bestand der Druckgrafik Gotthard Graubners in
der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe erschließt.
Dr. Kirsten Claudia Voigt
12.04. - 28.09. 2008 im Kindermuseum
Körper gewickelt, gegossen, geschweißt
Der menschliche Körper ist eines der zentralen Motive
der Bildhauerei. Seine Gestalt, Dynamik und Ausdruckkraft regten
Künstler zu immer neuen Darstellungen an. Im 20. Jahrhundert
bricht sich ein freierer Umgang mit dem Motiv bahn, indem Künstler
Körperformen immer weiter abstrahierten, verdichteten und
sich auf bestimmte Teilaspekte der menschlichen Figur konzentrierten.
Der Torso wird zum beispielhaften Ausdrucksmittel dieser neuen
Freiheit. Außerdem steigerte sich das Interesse vieler
Künstler am Material. Sie erhoben es vom bloßen Bildträger
zum Ausdrucksmittel. Neben traditionellen Materialien wie Ton,
Bronze, Holz oder Stein fanden dabei auch Textilien oder Alltagsgegenstände
Verwendung.
In der neuen Ausstellung treffen die jungen Besucher auf Skulpturen,
die sich alle mit dem Körper, der menschlichen Figur auseinandersetzen,
sehr reduziert und abstrakt oder ansatzweise noch abbildhaft.
Unterschiedliche künstlerische Auffassungen laden dazu ein,
sich selbst in Beziehung zum Ausgestellten zu setzen, sich und
seinen Körper im Raum wahrzunehmen und zu erleben. Körper
als Bronzetorso, klar erkennbar, die Oberfläche lebendig
gearbeitet, rissig, wulstig, glatt. Daneben aus Terracotta geformte,
sehr zart und zerbrechlich wirkende Gebilde, die an abgestreifte
Körperhüllen erinnern. In ihrer Wirkung und ihren Ausmaßen
ungleich gewaltiger lässt eine "Winkelform" aus
rostigem Metall und Holz nur noch entfernt an eine menschliche
Figur denken. Balance, Kraft oder Haltung sind nur einige Dinge,
die sich einem bei der Betrachtung vermitteln. Bilder oder Spuren
verschiedener Bewegungsabläufe oder gar tänzerische
Choreographien lassen eine Skulptur aus schwarzem Vierkantstahl
entstehen.
Kinder begegnen der Welt mit großer Offenheit und reagieren
so auch auf abstrakte Kunst spontan und assoziativ, für
Erwachsene in einer oft sehr faszinierenden und überraschenden
Weise.
Diese Ausstellung gibt vielfältige Möglichkeiten
für ganzheitliches Lernen. Das Begreifen dreidimensionaler
Kunstwerke fordert stark die aktive Betrachtung, wie den Einsatz
des eigenen Körpers und seine Beziehung zu dem ihn umgebenden
Raum verschiedene Haltungen und Bewegungen erproben, sich
selbst in der Interaktion mit anderen erleben, Bewegungsabläufe
und kleine Tanzchoreographien erarbeiten, sein Gegenüber
zu einer Skulptur "formen", diese skizzieren oder photographisch
festhalten.
Haptische Bedürfnisse werden in einem Areal, das verschiedene
Materialien zum Anfassen anbietet, befriedigt. Ganz nebenbei
wird so die kindliche Kreativität für die Umsetzung
eigener Ideen angeregt. Dreidimensionale Umsetzungsmöglichkeiten
mit Materialien wie Papier, Pappe, Metall, Draht, Holz, Ton und
ähnlichem ergänzen das Angebot.
Der Besuch der Ausstellung ist für Kinder ab 5 Jahren
geeignet und dauert zirka zwei bis drei Stunden. Kosten 3,- Euro
.
Eröffnung: Freitag, 11. April, 16 Uhr im Kindermuseum,
Hauptgebäude.
25.04. - 02.08.2008
Katharina Hinsberg
binnen
Aus der Höhe des Raumes fallen leichte, rote Streifen
aus Papier: binnen 100 Tagen, täglich 100 Minuten, jeder
100 x 1 cm groß.
"Forum Rotunde" in der Orangerie
Seit Mitte der 1990er Jahre untersucht Katharina Hinsberg
in ihrer Arbeit die Grund-bedingungen der Zeichnung und führt
dabei das Medium in neue Bereiche. Nicht nur das Aufbringen von
Linien auf Papier, sondern auch das Ritzen, Schneiden, Falten
und Stanzen des Papiers gehört zu ihrem Begriff von Zeichnung;
durch das Hängen von Papier- oder Stoffstreifen im Raum
überführt sie das Medium in einen installativen Zusammenhang.
Dabei verbindet sich ihre konzeptuelle Vorgehensweise mit einer
poetischen Wahrnehmung der Welt.
Für die Reihe "Forum Rotunde" in der Orangerie
entwarf die Künstlerin ein Zeichnungsprojekt, in dem nicht
die Fläche des Papiers oder die Eigenschaften der Linie,
sondern Zeit, Raum und Bewegung die wesentlichen Koordinaten
der Arbeit dar-stellen.
Die konzeptuellen Parameter des Geschehens werden im Untertitel
des Projektes genannt: Binnen 100 Tagen werden jeweils 100 leuchtend
orangefarbene Seidenpapierstreifen von jeweils 100 cm Länge
in 100 Minuten aus einer Luke im Glasdach der Kuppel in die Rotunde
fallen. Täglich von 13.20 Uhr bis 15 Uhr lässt sich
diese temporäre Raum-Zeichnung verfolgen.
Dabei nimmt das orangefarbene Papier Bezug auf den Ort, die Orangerie,
die ursprünglich saisonal empfindliche Pflanzen beherbergte.
Auch in der Zahl von 10.000
Streifen, die insgesamt die Zeichnung ausmachen, bezieht sich
Katharina Hinsberg auf den Ausstellungsort: Markgräfin Caroline
Luise hatte den Plan gefasst, in einem 10.000 Kupferstiche umfassenden
botanischen Nachschlagewerk die Welt der
Pflanzen zu verzeichnen. Diesen Plan konnte die Markgräfin
nie ganz verwirklichen. Nur 581 Kupferstiche wurden ausgeführt.
In ihrem streng im Dezimalsystem angelegten Konzept folgt Katharina
Hinsberg dieser taxonomischen Maßgabe der Markgräfin.
Gleichzeitig konterkariert das Erscheinungsbild der Arbeit dieses
strenge Ordnungssystem. Schließlich entwickelt jeder Streifen
abhängig von seiner spezifischen Substanz und der jeweiligen
Luftbewegung seinen eigenen Linienweg im Raum. Die Künstlerin
äußert zu ihrem Projekt:
"Je länger diese Streifen ðausfallenÐ, desto
deutlicher zeichnen sie, schlingernde Linien, deren Fallen oder
Fließen eine Dauer hat und mit den Augen verfolgt werden
kann. Zeichnen zeigt sich als räumliches Verfahren, zwischen
Boden und Oberlicht. Das Papier zeigt sich anders, aber auch
der Raum: in den Dimensionen einer Fallhöhe, die auch ein
Zeitraum sind, Augenblicke, folgend, möglicherweise auf-
und abwartend, zählend."
Schließlich fallen die Streifen auf den Sandsteinboden
und fügen sich dort zu einer anderen Zeichnung, einer Linienskulptur
zusammen: "Die Streifen fallen und legen sich zufällig
in Schleifen (Intensitäten) auf den Boden, zunächst
vereinzelt, zunehmend sich überlagernd, dann häufiger,
zuhauf, Grund und Muster, häufend," wie Katharina Hinsberg
schreibt.
Das Projekt "binnen" ist geprägt von der für
die Arbeit von Katharina Hinsberg charakteristischen Verbindung
von Gegensätzen wie Ruhe und Bewegung, Reduktion und Fülle,
Flüchtigkeit und Dauer. Bis zum 2. August 2008 ist dies
in der Rotunde der Orangerie zu beobachten.
Eröffnung: Freitag, den 25. April 2008, 19 Uhr
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