Portikus
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30.01. - 14.03. 2010
Rachel Harrison
Haycation
Die Skulpturen der amerikanischen Künstlerin Rachel Harrison
sind zugleich autonom und immer Teil eines größeren
installativen Ensembles. Oft liegt diesem Ensemble eine bestimmte
Idee oder Tendenz zugrunde, der die verschiedenen Objekte auf
unterschiedliche Weise folgen. Die Skulpturen sind meist aus
diversen Materialien gefertigt so können sie aus farbig
besprühtem, sperrigen Material, Podesten und Sockeln in
amorphen Ausführungen oder diversen Readymades aus der Konsum-
und Warenwelt bestehen. Unendlich viele Variationen sind vorstellbar.
Die Oberflächen sind facettenreich bearbeitet und wirken
von unterschiedlichen Ansichten aus betrachtet manchmal, als
ob sie nicht ein und dieselbe Arbeit wären. Oft wirken die
Skulpturen wie maskiert oder eingekleidet und werden durch weitere
Medien wie Fotografie und Video sowohl unterbrochen als auch
begleitet. Industriell gefertigte und handgemachte Elemente,
abstrakte Formen und reale Gegenstände bilden in Rachel
Harrisons Werk prekäre, skulpturale Einheiten mit unterschiedlich
ausgearbeiteten Seitenansichten. Alle verwendeten Elemente, so
etwa die spezifische Bearbeitung des Materials, seine Farbigkeit,
die Kombination mit weiteren Objekten, bilden kaleidoskopartige
Facetten, die je nach Drehung und Ansicht auftauchen und verschwinden
die niemals fertig, sondern immer im Übergang und
im Werden eines sich verändernden Denkprozesses begriffen
sind.
Die diversen Artefakte werden neu verflochten, erhalten neue
Wertigkeiten und geben Kommentare ab. Sie erzählen von Figuren
und Ereignissen aus der jüngeren Kunst- und Kulturgeschichte
sowie aus der populären Welt der Medien. Es werden kombinatorische
Fährten gelegt, Effekte erzeugt, manchmal lösen sich
die Strukturen sogar in privatsprachlichen Verweisen selbst auf
oder werden zumindest schwer verständlich. Rachel Harrisons
Strategien verunsichern, provozieren, verführen und destabilisieren
unser Denken in Repräsentationsmustern, deren Eigendynamik
sie souverän nutzt, um sie durch solche dialektischen Umkehrungen
sofort wieder zusammenbrechen zu lassen. Hierzu schreibt etwa
der amerikanische Autor John Kelsey: "Und wenn Harrisons
Skulpturen dermaßen in dieses Chaos von Zeichen und oberflächlichen
Effekten verstrickt sind, dann deshalb, weil die Künstlerin
den Raum so ernst nimmt: In einer Zeit, in der die Differenz
zwischen Raum und Bild zusehends verschwindet und der ehedem
geforderte Abstand zwischen Betrachter und Objekt immer durch
Kommunikation gefüllt, das heißt besetzt, ist, findet
auch die Skulptur Mittel und Wege, die Zahl ihrer Oberflächen
zu vermehren und sich zeitlich aufzuspalten. Um unseren heutigen
Nicht-Raum wieder in Besitz zu nehmen, gibt sie ihre zeitlose
Pose zu Gunsten einer zeitgebundenen auf; man könnte auch
sagen, zu Gunsten einer manischen Serie von Erscheinungen."
Die finale Entschlüsselung einer verborgenen Wahrheit oder
einer Idee wird es bei diesen Erscheinungen niemals wirklich
geben. Zwischen Verkleidung und Skulptur gibt es zwar eine Welt,
in der Leute wie Jack Smith, Leigh Bowery, Liz Taylor, Al Gore,
E.T., die Venus von Milo, Leonardo DiCaprio oder Marilyn Monroe
zum Leben erwachen. Es gibt aber auch jede Menge Nippesfiguren,
Abbildungen aus Zeitschriften, Bohnen in Dosen, Slim-Fast in
Dosen, Honigbären und dergleichen zu sehen und in Kombination
zu setzen. Hierbei ist der Betrachter gefordert, denn die Beziehung
zwischen Titel und Werk lässt zwar meist mögliche Kurzschlüsse
zur Deutung der Arbeit zu, zuletzt erfolgt die Bestimmung jedoch
durch den Rezipienten allein. John Kelsey hierzu weiter: "(...)
[Die Skulpturen] öffnen immer wieder schwierige Kluften
und lassen das Kunstwerk genau dort zu stammeln beginnen, wo
die Präsentation und die Kommunikation stattfinden. (...)
[So] sorgt Harrison für Verwirrung zwischen der Sphäre
der Warenwelt und dem Raum subjektiver Konstruktion."
Die Spannbreite der kunstgeschichtlichen Referenzen ist ebenfalls
weit gefasst, so finden sich in Harrisons Werk Verweise auf Arbeiten
von Donald Judd, David Smith, Helen Frankenthaler, Eva Hesse,
Adrian Piper, Gordon Matta-Clark, Paul McCarthy, Cady Noland,
Haim Steinbach und vielen mehr. Dennoch ist es das Medium Pop
und populäre Kultur, das die Grundstimmung bestimmt, den
Ton mit zuweilen beißendem Humor angibt. So ist auch der
Auslöser zu den Arbeiten in der Ausstellung im Portikus
ein Artikel, der der Presse, genauer gesagt der New York Times,
entnommen ist. In diesem Artikel geht es um einen neuen Trend,
der HAYCATION genannt werden könnte und der auch der Ausstellung
den Titel gegeben hat. Der Artikel berichtet davon, dass es in
Amerika offensichtlich seit einigen Jahren "in" ist,
Ferien auf Bauernhöfen zu machen. Was bei uns in Europa
gang und gäbe ist, ist dort nur wenig verbreitet und findet
neuerdings starken Anklang. Allerdings werden dort bis zu 300
Dollar pro Nacht berechnet, wenn man der täglichen Stadtexistenz
entkommen und stattdessen Kühe melken und Heu machen will
und den eigenen Kindern anschaulich erklären kann, wo eigentlich
das Fleisch herkommt. Rachel Harrison geht es dabei nicht um
die Illustration dieses Trends; vielmehr dient das Phänomen
einfach als symbolische Rahmenhandlung. Die Idee von der Rückkehr
zum "Ursprünglichen" und die Vorstellung, dass
man durch verschiedene konträr angelegte Lifestyles ein
vollkommeneres Leben erlangen könnte, kursiert in unserer
gesamten westlichen zeitgenössischen Welt. So ist es für
Harrison nicht ausschlaggebend, diese eine bestimmte Geschichte
mit ihrer Installation zu erzählen. Vielmehr will sie darauf
hinweisen, dass jeder von uns seine eigenen kulturellen Referenzen
mit sich herumträgt; deshalb geht es nicht darum, zu verstehen,
worum es geht, sondern darum, die Zeichen zu lesen und in einem
größeren, vielleicht auch ästhetischen, referenziellen
Rahmen für sich selbst zu deuten.
Rachel Harrison hat derzeit mit ihrer Ausstellung Consider the
Lobster noch bis zum 20. Dezember ihre erste große Überblicksausstellung
im CCS Bard / Hessel Museum of Art, Annandale-on-Hudson, NY.
Die Ausstellung wird in überarbeiteter Fassung ab April
in der Whitechapel Gallery, London, zu sehen sein.
Rachel Harrison wurde 1966 in New York geboren. Sie lebt und
arbeitet in New York.
Ausstellungen (Solo): 2009: Consider the Lobster, CCS Bard /
Hessel Museum of Art, Annandale-on-Hudson, NY (Katalog); 2008:
Sunny Side Up, Galerie Meyer Kainer, Wien; Lay of the Land, Le
Consortium, Dijon; 2007: Voyage of the Beagle, Migros Museum,
Zürich, und Kunsthalle Nürnberg (Katalog); If I Did
It, Greene Naftali Gallery, New York; 2006: Checking the Tires,
Not To Mention the Marble Nude, Galerie Christian Nagel, Köln;
sometimes it snows in april (Präsentation mit Michael Krebber),
The McAllister Institute, New York; When Hangover Becomes Form,
in collaboration with Scot Lyall, The Contemporary Art Gallery,
Vancouver; LACE, Los Angeles; 2005: Car Stereo Parkway, Transmission
Gallery, Glasgow; 2004: New Work, San Francisco Museum of Modern
Art, San Francisco; Posh Floored as Ali G Tackles Becks, Camden
Art Centre, London; Excuse Me?, Arndt & Partner, Berlin;
Latka/Latkas, Greene Naftali Gallery, New York; 2003: Westward
Ho, Bergen Kunsthalle, Gallery No. 5, Bergen; 2002 Currents 30:
Rachel Harrison, Milwaukee Art Museum, Milwaukee (Katalog); Seven
Sculptures, Arndt & Partner, Berlin; Art 33 Basel, Art Statements,
Basel Art Fair, Basel; Brides and Bases, Oakville Gallery, Toronto
(Katalog); 2001: Perth Amboy, Greene Naftali Gallery, New York;
1999: Patent Pending: Beveled Rasp Sac, Greene Naftali Gallery,
New York; 1997: The Look of Dress-Separates, Greene Naftali Gallery,
New York; 1996: Should home windows or shutters be required to
withstand a direct hit from an eight-foot-long two-by-four shot
from a cannon at 34 miles an hour, without creating a hole big
enough to let through a three-inch sphere?, Arena Gallery, Brooklyn
Wir danken der Hessischen Kulturstiftung für die freundliche
Unterstützung.
Die Ausstellung HAYCATION wird im Katalog, der anlässlich
der Überblicksausstellung Consider the Lobster im CCS Bard
/ Hessel Museum of Art, Annandale-on-Hudson, NY, und der Whitechapel
Gallery, London, 2010 herausgeben wird, dokumentiert.
Für weitere Informationen oder Führungen zur Ausstellung
wenden Sie sich bitte an info@portikus.de
ERÖFFNUNG: 27.11.2009 AB 20 UHR
30.01. - 14.03. 2010
Mathias Poledna
30.01. - 14.03. 2010
Mathias Poledna
Gegenstand der Ausstellung des in Los Angeles lebenden Künstlers
Mathias Poledna (geb. 1965 in Wien) im Frankfurter Portikus ist
eine neue, raumgreifende filmische Arbeit, die hier erstmals
im Rahmen einer Einzelpräsentation zu sehen ist.
Ausgangspunkt der Arbeit ist eine von Adolf Loos (1870
1933) gestaltete und erstmals 1929 von der Wiener Firma L&J
Lobmeyr produzierte Gruppe von Kristallgläsern. Das sog.
"Barset" besteht aus zwölf Einzelteilen: Fingerschale,
Champagnerflöte, Bierglas, Weindekanter, Wasserkrug, Wasserglas,
Whiskeybecher Double Old Fashioned, Rotweinglas, Weißweinglas,
Dessertweinglas, Sherryglas und Likörglas. Im Unterschied
zu traditionellen Glasservices dieser Zeit, in denen sich die
einzelnen Teile stark in Hinblick auf die ihnen jeweils zugedachte
Verwendung unterscheiden und typischerweise mit einer Vielzahl
gestalterischer Details versehen sind, basieren alle Teile des
von Loos gestalteten Barsets auf einer einzigen, extrem reduzierten
Grundform, einem vollrunden Glas mit þachem Boden, dessen
Seiten sich zur Stellþäche in einem rechten Winkel
befinden. Die einzelnen Bestandteile des Services lassen sich
als "Variationen" dieses Motivs verstehen, die sich
entsprechend der jeweils gedachten Verwendung ausschließlich
in Hinblick auf das genaue Verhältnis von Glashöhe
und -durchmesser voneinander unterscheiden. Den kulturphilosophischen
Vorstellungen von Loos entspricht die schlichte, präzise
Formensprache des Barsets. Anders als bei vergleichbaren gestalterischen
Ansätzen dieser Zeit geht die formale Reduktion und Abwesenheit
jeder Verzierung bei Loos mit höchster Raffinesse im Materialumgang
und der Ausführung einher. Die Böden der mundgeblasenen,
handgeschliffenen und -polierten Gläser sind mit einem Diamantschliff
versehen, einer feinen, rasterartigen Textur, die subtilste Lichteffekte
erzeugt. Ihr kulturhistorischer Hintergrund erschließt
sich jedoch nicht in der Arbeit selbst; im Gegenteil, er ist
aus aus der filmischen Darstellung gewissermaßen ausgelagert
und durch eine räumliche Erzählung von Transparenz,
Textur, Abwesenheit und Bewegung ersetzt. Im Zusammenspiel von
typologischer Erfassung, Detailaufnahme und wechselnder Dramaturgie
zielt sie auf eine Art Objektchoreographie ab, in der Grenzen
und Übergänge zwischen Abstraktion, historischer Aufzeichnung
und hyperästhetischer Produktinszenierung ausgelotet werden.
Ausstellungen (Solo): 2009: Bonner Kunstverein, Bonn (mit Christopher
Williams); New Museum of Contemporary Art, New York; 2007: Galerie
Daniel Buchholz, Köln; Hammer Museum, Los Angeles; 2006:
Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam; Galerie
Daniel Buchholz, Köln; 2005: Richard Telles Fine Art, Los
Angeles; 2004: Galerie Meyer Kainer, Wien; 2003: Museum Moderner
Kunst Stiftung Ludwig, Wien; 2002: Richard Telles Fine Art, Los
Angeles; 2001: Grazer Kunstverein.
Gruppenausstellungen (Auswahl): 2010: Modernologies, Warsaw Museum
of Modern Art, Warschau; 2009: Modernologies, Museu d'Art Contemporani
de Barcelona, Barcelona; See This Sound, Lentos Kunstmuseum Linz;
Rock Paper Scissors: Pop Music as the Subject in
Contemporary Art, Kunsthaus Graz; Memories of the Future, Galerie
Václava Spály, Prag; 2008: Yokohama Triennial,
Yokohama, Japan; Transes, Musée départemental d'art
contemporain, Rochechouart; 2007: Sammlung, Generali Foundation,
Wien; Perspektive 07, Lenbachhaus, München; How Soon is
Now, Fundació Luís Seoane, La Coruña; Archaeologies
of the Future, Sala Rekalde, Bilbao; 2006: Whitney Biennial 2006:
Day for Night, Whitney Museum of American Art, New York; Why
Pictures Now, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien; Galerie
Daniel Buchholz, Köln, Metro Pictures, New York; 2005: Occupying
Space. Sammlung Generali Foundation, Haus der Kunst, München;
I really should..., Lisson Gallery, London; 2004: Liverpool Biennial
2004, Tate Liverpool; 20/20 Vision, Stedelijk Museum, Amsterdam;
3. Berlin Bienniale für Zeitgenössische Kunst, Kunstwerke
Berlin; 2003: Mixtapes, CCAC Wattis Institute for Contemporary
Art, San Francisco; Adorno. Die Möglichkeit des Unmöglichen,
Frankfurter Kunstverein, Frankfurt am Main
Für weitere Informationen oder Führungen zur Ausstellung
wenden Sie sich bitte an info@portikus.de.
Wir danken der Deutschen Bank Stiftung für die freundliche
Unterstützung.
Ziel aller Aktivitäten der Deutsche Bank Stiftung ist es,
Menschen dabei zu unterstützen, über sich hinauszuwachsen
ihnen zu ermöglichen, aus Talenten Fähigkeiten
zu machen, aus Einzelengagements nachhaltige Impulse für
die Gesellschaft hervorzubringen. Vom polnischen Kunstpreis "Views"
über Ausstellungen bis hin zur Dotierung des "Deutsche
Bank Stiftung Jugend-Kunst-Preises" Kunstförderung
ist ein Kernbereich des Engagements. Wie bei der Sammlung Deutsche
Bank liegt der Fokus hier auf der zeitgenössischen Kunst.
Mathias Poledna wurde von der Deutschen Bank bereits 2009 im
Rahmen des 3M-Projekts im New Museum, New York, unterstützt.
Mehr Informationen: www.deutsche-bank-stiftung.de
</> und www.db-artmag.de
<
Ebenfalls danken wir dem Österreichischen Bundesministerium
für Unterricht, Kunst und Kultur für die freundliche
Unterstützung.
26.03. 09.05.2010
Trisha Donnelly
ERÖFFNUNG: 25.03.2010
21.05. - 04.07 .2010
Jimmie Durham
ERÖFFNUNG: 20.05.2010
OLAFUR ELIASSON
LIGHT LAB, 2006/2007
Das Projekt "light lab" des Künstlers Olafur
Eliasson (geboren 1967 in Kopenhagen) ist eine mehrteilige Lichtinstallation,
die speziell für das Dach des neuen Portikus konzipiert
wurde. Im April 2006, sozusagen als erste Arbeit am neuen Haus,
pr?sentierte Eliasson die erste Installation aus der Reihe -
einen Lichtbogen, der die Anmutung einer aufgehenden Sonne hatte
("light lab, test 1").
Erst bei Einbruch der Dämmerung wird die Lichtinstallation
durch die nördliche, verglaste Dachseite des Portikus sichtbar.
Es handelt sich bei dieser Serie von Installationen weniger um
ein einzelnes künstlerisches Werk als um eine Form des Umgangs
mit den speziellen architektonischen Bedingungen des neuen Ausstellungsraumes
und dessen Öffnung zum urbanen Bild der Stadt.
Eliassons Werk ist zu einem festen Bestandteil des Stadtbildes
Frankfurts geworden und Anfang August 2008 von der Hessischen
Landesbank für den dauerhaften Verbleib in Frankfurt gekauft
worden. Da der Portikus keine eigene Sammlung hat, ist die Arbeit
"light lab, test 1" nun im Besitz der Sammlung des
Museum für Moderne Kunst, erstrahlt aber weiterhin im Dach
des Portikus.
Das Projekt wird gefördert von Siteco.
Abbildungen: http://staedelschule.de/lightlab
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